Il prossimo 25 settembre alle ore 15.00 prende il via la conferenza dedicata al tema Gender in occasione del Bari International Film Festival,rassegna che esamina, ricerca, studia,capolavori della storia del cinema in rapporto a genere, identità e orientamento sessuale. Location di questo evento lo storico Palazzo delle Poste di Bari in Piazza Cesare Battisti, 1. Il palazzo è sede dell’Università degli Studi ed è un meraviglioso esempio dell’architettura razionalista fascista, Luciano Lapadula – storico della moda e scrittore – analizzerà il tema “Stili – Generi – Travestimenti“. Lo studio dei segni legati alla moda, al trucco, alle acconciature che a partire dal 1968 hanno diviso e mescolato generi e simbologia sessuale, da Twiggy a Bowie, da Coccinelle ad Amanda Lear. L’intervento di Luciano Lapadula è tratto dal suo libro “Il Macabro e il Grottesco nella Moda e nel Costume“, acquistabile al link: https://www.progedit.com/libro-589.html
Ex Palazzo delle Poste di bari – veduta interna
On September 25th at 3.00 pm, the Gender conference will start afor Bari International Film Festival, a review that examines, researches, studies, masterpieces of the history of cinema in relation to gender, identity and sexual orientation. Inside the historic Palazzo delle Poste in Bari (Cesare Battisti Sq, 1), a marvelous example of the fascist rationalist art, Luciano Lapadula – fashion historian and writer – will analyze the theme “Styles – Genres – Disguises”. The study of signs related to fashion, makeup, hairstyles that since 1968 has divided and mixed genres and sexual symbology, from Twiggy to Bowie, from Coccinelle to Amanda Lear. Luciano Lapadula’s speech is based on his book “The Macabre and the Grotesque in Fashion and Costume“, available at the following link: https://www.progedit.com/libro-589.html
Willem Dafoe all’inaugurazione del Festival
Follow Me on Instagram: https://www.instagram.com/iamlucianolapadula/
Follow Me on Facebook: https://www.facebook.com/lucianolapadulaofficial/
Follow Me on Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCXPI69uNrqeejgYR1fH9ASw
Acquista il mio libro. Clicca sull’immagine per info. Shop my Book “The Macabre and the Grotesque in Fashion and Costume“.
Click on the pic for info.
Shop my Book “The Macabre and the Grotesque in Fashion and Costume” https://www.progedit.com/libro-589.html
Il volto scolpito nel marmo, uno sguardo insieme sensuale e spietato che allude all’erotismo più feroce di quei giorni bui. Le labbra violacee evidenziano un sorriso amaro, sprezzante, fiero del proprio sublime incanto. Sono le dive del cinema fascista, in un’Italia umiliata dalla guerra regnano sulle superfici dell’illusione per regalare un sogno a chi di illusione perisce.
The face sculpted in marble, a sensual and ruthless glance that alludes to the most ferocious eroticism of those dark days. The violet lips show a bitter, contemptuous smile, proud of its own sublime charm. They are the divas of Fascist cinema, in an Italy humiliated by war thay all reigns on the surfaces of illusion to give a dream to those who are diyng by illusion.
Alida Valli – From a Fresh Look to a Dark Lady – Venturini Alida Valli. Ghergo Luisa Ferida Seductive Leda Gloria – Ghergo Leda Gloria – Venturini Elisa Cegani – Ph unknown Elisa Cegani from in “LA CORONA DI FERRO” di Alessandro Blasetti, 1941. Winner of Coppa Mussolini award Clara Calami: the first italian “Dark Lady” actress Clara Calamai. I think she worn Ferragamo platform shoes. Could be now Elsa De Giorgi – Peek-a-Boo hairstyle. Ph Venturini A perfect face. Elsa De Giorgi Amazing Beauty: Doris Duranti, the most loved by dictators Doris Duranti, the fascist actress, by Elio Luxardo Isa Mirande: the platinum italian Dietrich Isa Miranda, who arrived in Hollywood, was greeted with clamor by the public and by Paramount
Discover more from my Blog: www.lucianolapadula.wordpress.com
Follow Me on Instagram: https://www.instagram.com/iamlucianolapadula/
Follow Me on Facebook: https://www.facebook.com/lucianolapadulaofficial/
Follow Me on Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCXPI69uNrqeejgYR1fH9ASw
Acquista il mio libro. Clicca sull’immagine per info.
Shop my Book
“The Macabre and the Grotesque in Fashion and Costume”.
Una nuova tipologia di donna nasce in Cina durante gli anni ’20. La sfrenatezza della vita occidentale, legata al ritrovato benessere, invade l’Oriente e la sua moda che lentamente è sedotta dall’immagine à la Garçonne. Il pesante cerone, gli ombrellini di carta, i fascianti kimono in seta cedono il passo ad impalpabili abiti in chiffon, a trucchi meno vistosi, ad acconciature “alla maschietta”. E si fa strada ad Hollywood la prima tra le attrici cinesi, Anna May Wong, destinata a divenire un’icona di stile per il mondo intero. Di seguito una selezione di immagini che testimoniano questa rivoluzione sociale e vestimentaria in Cina.
A kind of woman was born in China during the 1920s. The wildness of Western life, linked to the refounded welfare, invades the Orient and its fashion that was slowly seduced by the style “à la Garçonne”. The heavy make-up, the paper umbrellas, the kimono silk bindings give way to impalpable chiffon dresses, to less conspicuous make-up, to “boyish” hairstyles. And the first of the Chinese actresses, Anna May Wong, was making her way to Hollywood, destined to become a style icon for the whole world. Below for you a selection of images that testify to this social and clothing chinese revolution.
Illustrazione cinese anni ’20. Due ballerine indossano un abito tradizionale chiamato Cheongsam, rivisitato per un look occidentale tipico della “Flapper Girl”. I capelli sono corti e in stile Garçonne. Calzature T-Bar.
Chinese illustration from the 20s. Two female dancers wear a dress called Cheongsam, rivisited in Western look, typical of the Flapper Girls. The hair is short and in Garçonne style. T-Bar shoes Ni Hongyan, Chinese film actress popular in the Chinese film industry in the late 1920s. Fashion Magazine and Amazing Belt (seems to be a modern Alaya!) for this beautiful girl in her swimsuit Silk Socks, Waves Hairstyle and Cigarette for a smoking flapper Huang Huilan wife of the Chinese diplomat Wellington Koo, popular in the western world as Madame Wellington Koo or Hui-lan Koo still Madame Wellington Koo Two asian ladies in 20s fashionable outfits March 25, 1928. Here is Anna May Wong visiting Chicago. Trousers, Mary Jane shoes and Cloche hat for the first Chinese American Hollywood movie star, as well as the first Chinese American actress to gain international recognition “The Dangerous” Anna May Wong Anna May Wong a glamorous Femme Fatale. 1928 Anna May Wong in 20sAnna May Wong -1929 photo by Paul Tanqueray
Follow Me on Instagram: https://www.instagram.com/iamlucianolapadula/
Follow Me on Facebook: https://www.facebook.com/lucianolapadulaofficial/
Follow Me on Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCXPI69uNrqeejgYR1fH9ASw
Acquista il mio libro. Clicca sull’immagine per info. Shop my Book
“The Macabre and the Grotesque in Fashion and Costume“.
Sul biglietto che Evelyn lasciò prima del tragico salto scrisse:
“Non voglio che nessuno mi veda, nemmeno la mia famiglia. Fatemi cremare, distruggete il mio corpo.Vi supplico: niente funerale, niente cerimonie. Il mio fidanzato mi ha chiesto di sposarlo a giugno. Ma io non sarei mai la brava moglie di nessuno. Sarà molto più felice senza di me. Dite a mio padre che, evidentemente, ho fin troppe cose in comune con mia madre“
Era una ragazza di soli 23 anni.
Può un suicidio trattenere bellezza e trasformarsi in un’opera d’arte?
Io credo di si. L’elogio della morte di una bella ragazza è atroce e seducente. Da Andy Warhol a David Bowie – nella sua canzone “Jump They Say” – l’esistenza dolorosa di una vita spezzata nel suo fiorire, rende la protagonista un’eroina eterna.
“Edgar Allan Poe, all’interno del suo saggio La filosofia della composizione, scrisse che
«la morte di una bella donna è senza dubbio l’argomento più poetico del mondo»
e in proposito colma di emozione è l’immagine realizzata per caso dall’allora aiuto fotografo Robert Wiles il primo maggio 1947.
Riuscì a immortalare la ventitreenne Evelyn McHale distesa con elegante ma innaturale compostezza sul tetto di una limousine dopo un lungo volo dall’ottantaseiesimo piano dell’Empire State Building.
La fanciulla appare dolcemente sprofondata tra le scure lamiere del veicolo, i vetri infranti, l’acciaio laccato ricurvo su se stesso per la violenza dell’impatto, e lei lì, supina come una bella addormentata in un sonno senza fiato.
Dal freddo metallo della vettura emerge prepotente il colore rosso del raffinato tailleur. Bianca la camicetta e bianchi i lunghi guantini che vestono ancora alle mani. I capelli biondi circondano un volto bellissimo e dal trucco perfetto. Le calze sono abbassate. Le braccia sono piegate e la mano sinistra appare gentile accanto al volto, socchiusa in un gesto che sembra sofisticato e fascinoso.
Il suicidio perde in questo caso l’orrore del suo significato grazie alla bellezza di un’immagine che appare come quella di una rivista di moda. La paradossale assenza di sangue e di deturpazione, abbinata alla compostezza del soggetto, fecero sorgere l’appellativo con il quale la fotografia venne chiamata: “il suicidio più bello”.
L’immagine lascia scaturire una forte contraddizione nella mente dello spettatore, sedotto dall’estetica della morte che appare crudelmente soave.
Vorremmo chiedere a Evelyn il perché di quel gesto, la frustrazione per l’incomprensibilità della sua scelta genera una morbosa attenzione ai dettagli che raccontano della sua vita: la bianca sciarpa che vorticosamente scendeva dalla finestra raggiungendo il corpo, il porta- trucco lasciato in disparte insieme al cappotto ripiegato, la sua lettera di addio.
Una morte violenta per una fotografia dalla bellezza immortale.
Questa immagine attraente e insieme aberrante venne pubblicata all’interno della rivista “Life” con il titolo The Most Beautiful Suicide.
La didascalia narrava:
«At the bottom of the Empire State Building the body of Evelyn McHale reposes calmly in grotesque bier, her falling body punched into the top of a car».
Lo scatto fu poi rielaborato da Andy Warhol nel 1962 con il nome: Suicide (Fallen Body), in un’indagine sul rapporto tra bellezza, morte e Pop Art.”
On the piece of paper Evelyn left before the tragic leap, she wrote:
“I don’t want anyone in or out of my family to see any part of me. Could you destroy my body by cremation? I beg of you and my family – don’t have any service for me or remembrance for me. My fiancé asked me to marry him in June. I don’t think I would make a good wife for anybody. He is much better off without me. Tell my father, I have too many of my mother’s tendencies“
She was only 23 years old.
Can a suicide keep beauty and transform into a work of art?
I think yes. The praise of the death of a beautiful girl is terrible and seductive. From Andy Warhol to David Bowie – in his song “Jump They Say” – the traumatic existence of a life broken in its blossom, makes the protagonist an eternal heroine.
“Edgar Allan Poe, within its essay Philosophy of composition, wrote that
«the death of a beautiful woman is undoubtedly the most poetic topic of the world »
and about this the image realized by chance by the former assistant photographer
Robert Wiles on the first of May 1947 is rich of emotion.
He succeeded in capturing the twenty-three years-old Evelyn McHale lying with elegant but unnatural composure on the top of a limousine after a long flight from the eighty-sixth floor of the Empire State Building.
The girl seems to be sweetly collapsed among the dark plates of the car, the glasses smashed, the lacquered steel bent on itself because of the violence of the impact and the girl there, supine as a sleeping beauty in a breathless sleep.
From the ice-cold metal of the car there comes, violently, the red colour of the sophisticated suit. White is the
blouse and white are the long gloves that still adorn her hands. Her blonde hair frame a beautiful face with a perfect makeup. The tights are taken down. abbassate. Her arms are bent and the left hand seems to be gentle near the face, half-closed in a gesture that seems to be sophisticated and charming.
The suicide, in this case, loses the atrociousness of its meaning thanks to the beauty of an image that seems to come from a fashion magazine.
The paradoxical absence of blood and disfigurement, combined with the composure of the subject, gave birth to the title with which the picture was called: “The Most Beautiful Suicide”.
The image gives origin to a strong contradiction in the observer’s mind, seduced by the aesthetic of death that seems to be cruelly sweet.
We would like to ask Evelyn the reason of that gesture, the frustration for the incomprehensibility of her choice generates a morbid attention to the details that tell her life: the white scarf that vertically fell from the window reaching the body, the beauty case left apart together with the folded coat, her suicide note.
A violent death for a picture having an immortal beauty.
This charming and simultaneously aberrant image was published in the magazine “Life” with the title The Most Beautiful Suicide.
The caption told:
«At the bottom of the Empire State Building the body of Evelyn McHale reposes calmly in grotesque bier, her falling body punched into the top of a car».
The shot has been then redesigned by Andy Warhol in 1962 with the name: Suicide (Fallen Body), in a study about the relationship between beauty, death and Pop Art.”
La storia si ripete ciclicamente, esibendoci fragilità, paure, speranze, illusioni e chimere proprie dell’animo umano. Così dai «mille non più mille» al fuoco di nuove apocalissi lo spazio temporale pare ridursi a pochi attimi, e quella parte buia del Medio Evo torna a insinuarsi nel tessuto sociale, nella fede religiosa.
Questa volta siamo nella Russia di metà ‘700, regno di “Caterina la Grande“, imperatrice sedotta dalla modernità del pensiero francese, che voleva la sconfitta dell’insensatezza da parte della razionalità. Tuttavia il popolo rappresentato da Caterina II, in gran parte troppo povero, era avulso al fascino delle élite come a quello del pensiero razionale. Lo scisma del 1656 aveva diviso la società in “nuovi” e “vecchi” credenti, e a quest’ultima schiera appartenevano – dopo cento anni – i tanti contadini ridotti in miseria. Il bisogno di certezze esistenziali, la speranza – l’unica – di un riscatto post mortem, la convinzione accesa di una vicina fine dell’umanità, furono i focolai dell’incredibile e devastante ritorno al credo eretico proveniente da un passato che si credeva dimenticato.
La più importante tra le varie sette costituite in quel periodo fu quella degli “skoptsy” parola che deriva dal termine “skopets” ossia castrato. Fu infatti il tragico rituale dell’evirazione il caposaldo su cui quel credo si basò.
Ancora una volta il sesso tornò ad essere vissuto come il più terribile dei peccati, frutto proibito offerto dal demonio, tentazione irrinunciabile a cui potersi sottrarre solo mutilando e così estirpando organi e desiderio dal corpo e dall’animo. Quella fede trasse la propria identità da una alterata interpretazione del Vangelo di Matteo, precisamente dal passo in cui è descritto il dialogo sul divorzio tra i discepoli e Cristo. Mentre loro asseriscono che per evitare la separazione, forse sarebbe meglio per l’uomo non sposare la donna, Gesù risponde: «Non tutti possono capirlo, ma solo coloro ai quali è stato concesso. Vi sono infatti eunuchi che sono nati così dal ventre della madre; ve ne sono alcuni che sono stati resi eunuchi dagli uomini, e vi sono altri che si sono fatti eunuchi per il regno dei cieli. Chi può capire, capisca» (Matteo 19:11-12)
Spinti dal fanatismo più assoluto, i fedeli si convinsero che “il battesimo del fuoco” di Cristo fosse una metafora della sua castrazione, che faceva quindi del Messia il primo tra gli eunuchi. Dalla delirante rilettura dei passi biblici derivò la certezza che Adamo ed Eva fossero stati creati da Dio privi di organi sessuali e che solo dopo esser caduti in tentazione questi si sarebbero sviluppati sui loro corpi.
A indottrinare i proseliti fu il mistico fondatore della setta, Kondratij Selivanov. Il suo spaventoso motto descriveva la pratica di auto evirazione a cui si era sottoposto: «Datemi dunque la mia spada, ché tagli con la destra la testa del serpente.»
Serafico nell’aspetto, dotato di notevole intelligenza e grande magnetismo, segnò la storia delle Russia, terra sempre attratta da personaggi carismatici e scismi religiosi. In breve riuscì a spopolare tra le genti, passando dalla campagna ai salotti alla moda dell’aristocrazia di San Pietroburgo e Mosca. All’interno di quelle stanze, sempre al piano superiore della casa, metafora del Cielo, il santone si presentava disteso su un baldacchino, con indosso paramenti sontuosi, circondato da scenografie mistiche fortemente evocative, ossessive.
Divisi per camere in base al sesso, i presenti, tra loro molti bambini, ardevano ipnotizzati dalla presenza del “dio fatto uomo”, e in rituali che dallo spirituale sfociavano nel turpe, si abbandonavano a canti e danze scatenate, isteriche. Spesso durante queste cerimonie avveniva che i «maestri» usassero forbici e coltelli per intervenire sul corpo e sull’anima degli iniziati. Così alle donne era praticata l’amputazione del seno, e la “clitoridectomia” con l’ablazione di parte delle piccole e grandi labbra. Agli uomini, anche ai fanciulli, era invece inflitta l’asportazione dello scroto e dei testicoli. Spaventoso era il rituale del «sigillo imperiale» che invece prevedeva la completa evirazione del pene. Al termine degli interventi i nuovi eunuchi urlavano: «Cristo è risorto.»
Le oblazioni dei nobili introdussero sempre maggior denaro nelle casse dei maestri della setta, i quali assetati di ricchezza presero a ostacolarsi l’un l’altro, fino a sancire con denunce e maldicenze il proprio epilogo. Nel 1820 anche Selivanov venne arrestato, fatto che inflisse il corpo mortale agli skoptsy. Un ultimo baluardo della congrega si registrò in Romania intorno al 1880.
Kondratij, uomo che passò dalla povertà della vita contadina ai palazzi di potere degli Zar, morì a centodue anni, non riuscendo solo per poco ad assistere alla nascita di colui che avrebbe oscurato la sua presenza per fama o infamia, Grigorij Efimovič Rasputin, ma questa è un’altra storia.
Divieto di copia e riproduzione. Contattare l’autore per info e disponibilità
Do Not Copy. Contact the writer for info
History repeats itself cyclically, exhibiting fragility, fears, hopes, illusions and chimeras of the human soul. So from the “thousand no more thousand” to the fire of new apocalypses the temporal space seems to be reduced to a few moments, and that dark part of the Middle Ages returns to creep into the social fabric, into religious faith.
This time we are in mid-eighteenth-century Russia, the reign of “Catherine the Great”, an empress who looked at the modernity of French thought, which at the time wanted the defeat of senselessness on the part of rationality. However, the people represented by Catherine II, largely too poor, were free from the charm of the elites as well as that of rational thought. The schism of 1656 had divided society into “new” and “old” believers, and to this last group belonged – after a hundred years – the many farmers reduced to poverty. The need for existential certainties, the hope – the only one – of a post mortem redemption, the burning conviction of a near end of humanity, were the outbreaks of the incredible and devastating return to the heretical belief from a past that was thought to have been forgotten .
The most important sect constituted in that period was that of the word “skoptsy” which derives from the term “skopets” or castrated. It was in fact the tragic ritual of the emasculation the cornerstone on which that creed was based.
Once again sex returned to being lived as the most terrible of sins, the forbidden fruit offered by the devil, an indispensable temptation to be escaped only by mutilating and thus extirpating organs and desire from the body and soul. That faith drew its own identity from an altered interpretation of the Gospel of Matthew, precisely from the passage in which the dialogue between the disciples and Christ on divorce is described. While they assert that to avoid it, perhaps it would be better for the man not to marry the woman, Jesus answers them: “All cannot accept this saying, but only those to whom it has been given:For there areeunuchs who were born thus from their mother’s womb, andthere are eunuchs who were made eunuchs by men, and there are eunuchs who have made themselves eunuchs for the kingdom of heaven’s sake. He who is able to accept it,let him accept it.”(Matthew 19: 11-12)
Driven by the most absolute fanaticism, the faithful were convinced that the “baptism of fire” of Christ was a metaphor of his castration, which therefore made the Messiah the first among the eunuchs. From the delirious rereading of the biblical passages came the certainty that Adam and Eve were created by God devoid of sexual organs and that only after falling into temptation would they develop on their bodies.
The mystic founder of the sect, Kondratij Selivanov, indoctrinated the proselytes. His frightful motto described the practice of self-castration to which he had submitted: “Give me then my sword, for you cut the serpent’s head with your right hand.”
Seraphic in appearance, endowed with considerable intelligence and great magnetism, he marked the history of Russia, a land always attracted by charismatic characters and religious schisms. In short, he succeeded in depopulating among the peoples, passing from the countryside to the fashionable salons of the St. Petersburg and Moscow aristocrats. Inside those rooms, always on the top floor of the house, a metaphor of Heaven, the saint stood out on a canopy, wearing sumptuous vestments, surrounded by mystical, strongly evocative, obsessive sets.
Divided into rooms based on sex, those present, among them many children, burned hypnotized by the presence of the “god made man”, and in rituals that flowed from the spiritual into the absurd, were abandoned to hysterical songs and dances. Often during these ceremonies it happened that the “masters” used scissors and knives to intervene on the body and soul of the initiates. So women were given breast amputation, and “clitoridectomy” with the ablation of part of the small and large lips. For men, even for children, the removal of the scrotum and the testicles was instead inflicted. The ritual of the “imperial seal” was rather frightening, which instead provided for the complete emasculation of the penis. At the end of the interventions the new eunuchs shouted: “Christ is risen.”
The oblations of the nobles introduced more and more money into the coffers of the masters of the sect, who, thirsty for wealth, began to obstruct one another, until their epilogue was ratified with denunciations and slander. In 1820 also Selivanov was arrested, which inflicted the mortal body on skoptsy. One last bastion of the coven was registered in Romania around 1880.
Kondratij, a man who passed from the poverty of peasant life to the palaces of power of the Tsar, died at one hundred and two years, not being able to witness the birth of one who would have obscured his presence for fame or infamy, Grigorij Efimovič Rasputin, but this is another story.
Kondratii Selivanov, (Кондратий Селиванов) founder of Skoptsy-movement. Drawing from early 19th cantury From: “Study of the Skoptsy Heresy” – 1844 razor blades and knives used for emasculation Russian man and woman portrayed in a cabinet card. she shows her amputated breasts
Sad young boy in a cabinet card shows his penis amputated according to the practice that they called “imperial seal”
Follow Me on Instagram: https://www.instagram.com/iamlucianolapadula/
Follow Me on Facebook: https://www.facebook.com/lucianolapadulaofficial/
Follow Me on Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCXPI69uNrqeejgYR1fH9ASw
Acquista il mio libro. Clicca sull’immagine per info. Shop my Book “The Macabre and the Grotesque in Fashion and Costume“
È la fine del XIX secolo, il mondo pare cambiare troppo vorticosamente. Il metallo svetta dal cemento delle metropoli e promette di toccare il cielo. Nuove generazioni si scontrano con quelle vecchie, i cabaret sono affollati da “cocotte”, i bar da artisti che annegano nell’assenzio insieme alle prostitute. La domenica si indossa l’abito buono, chi può permetterselo sfoggia quello bianco. Cambia il modo di ricordare, la fotografia sostituisce le tele dei pittori, e ci descrive di quella strana moda che imperversò durante l’epoca vittoriana giungendo ai primi decenni del nuovo secolo: lo spiritismo. Dalla Russia degli Zar a Villa Santa Barbara di Cefalù personaggi carismatici, mistici, visionari muovono folle di adepti assetati di conoscere i segreti della vita e della morte. Il clima di trasformazione sociale, i nuovi mostruosi mondi generati dal capitalismo, generano ansia, terrore, malattia. Tubercolosi e sifilide sono solo due tra i tanti virus che decimano impietosi uomini e donne, i dagherrotipi cercano di fermare inutilmente quelle esistenze, ma sono solo fotografie. Allora ci si riunisce in casa, nel salotto, si chiudono le pesanti tende in broccato e intorno a un tavolo solitamente con tre gambe, le mani dei presenti si stringono in una catena, e il medium invoca una presenza. Di seguito una selezione di immagini d’epoca che testimonia la pratica dello spiritismo tra la fine del 1800 e l’inizio del 1900. Come tutte le tendenze, numerosi fiorirono i gabinetti fotografici esperti nel ritrarre quelle immagini che presero il nome di “fotografie spiritiche”. Alcune tra queste sono frutto di un abile e antesignana pratica di fotoritocco, i cui effetti speciali hanno contribuito ad alimentare come vento sul fuoco le fiamme della speranza, il morbo della conoscenza, consumando le struggenti notti di quel tempo perduto.
It’s the end of the Nineteenth century, the world seems to change too vortically. Metal stands out from the cemented streets of the metropolises and promises to touch the sky. New generations clash with old ones, cabarets are crowded with “cocottes”, bars by artists drowning in absinthe along with prostitutes. On Sundays people wear the “good dress”, a white one if wealthy. The way to remember changes, photography replaces the paintings, and describes that strange fashion that raged during the Victorian Age reaching the first decades of the new century: spiritualism. From Tsars’ Russia to Villa Santa Barbara in Cefalù, charismatic, mystical and visionary characters move crowds of adepts eager for knowing the secrets of life and death. The mood of general social transformation, the new monstrous worlds created by capitalism, generate anxiety, terror, disease. Tuberculosis and syphilis are just two of the many viruses that merciless decimate men and women, daguerreotypes try to uselessly stop those existences, but they are only photographs. Hence people meet at home, in the living room, they close the heavy brocade curtains and around a table with three legs the hands of those present are clutched in a chain, and the medium invokes the presence. Below you can find a selection of antique images proving the practice of spiritualism between the late 1800s and early 1900s. Like all the trends, there bloomed numerous photographic cabinets, specialized in portraying those images that took the name of “spiritual photographs”. Some of those images are the result of a skilled and precursor practice of photo editing, which special effects have helped to fuel the flames of hope, the morbidness of knowledge like the wind on the fire, consuming the poignant nights of that lost time.
Special Thanks for supporting translation SERENA BARTOLO
Luciano Lapadula
Victorian couple with ghost of daughter
Katie King fu il nome di uno tra i più famosi – presunti – fantasmi che sul finire dell’Ottocento presero forma grazie alla medium Florence Cook, fu così che gli spiritisti attribuirono lo stesso nome alla materializzazione spiritica di quegli anni.
Katie King was a popular ghost evocated by Florence Cook, and was already the name given by Spiritualists in the 1870s to what they believed to be a materialized spirit. The question of whether the spirit was real or a fraud was a notable public controversy of the mid-1870s.
Katie King materialized, photograph of Sir William Crookes
Eusapia Palladino, nata nel 1854 a Minervino Murge, in provincia di Bari: Fu una tra le medium più conosciute e accreditate di tutti i tempi. L’iniziazione allo spiritismo avvenne quando, lavorando come cameriera presso una benestante famiglia, iniziò a prendere parte alle sedute organizzate nella lussuosa dimora. Fu durante quelle sedute che si verificarono fenomeni mai accaduti prima, che furono attribuiti alla presenza della giovane. Nella sua carriera di occultista ebbe fama mondiale affascinando aristocratici e scienziati, tra i quali Cesare Lombroso e persino Pierre e Marie Curie.
Eusapia Palladino, born in 1854 in Minervino Murge, near Bari: she was one of the best known and accredited mediums of all time. The initiation into spiritism came when, working as a waitress with a rich family, she began to take part in the sessions inside the luxurious home. It was during those sessions that phenomena never happened before were ascribed to the presence of the young woman. In her career as an occultist she gained world fame by captivating aristocrats and scientists, including Cesare Lombroso and even Pierre and Marie Curie.
Eusapia Palladino Hands. Collection Tony Oursler
The well-know italian medium Eusapia Palladino during a spiritual seance
Eusapia Palladino at the home of Camille Flammarion, Rue Cassini. Full levitation of a table. 12 November 1898
Victorian Spiritualism Movement Seance conducted by John Beattie in Bristol in England, 1872
Ghost levitation
Amazing spirit photography by astonishing William Hope: english author, photographer, sailor, and body-builder
William Hope
William Hope
William Hope
French medium Marthe Beraud aka Eva Carriere
A young woman face appear from ectoplasm by Eva Carriére – 1912
1912: Eva Carriere has a spiritic light between her hands and a materialization on her head.
Richard Boursnell (1832 – 1909), medium e fotografo britannico esperto in immagini spiritiche. Suoi alcuni tra i più intensi scatti mai realizzati su questo tema.
Richard Boursnell (1832 – 1909), medium and British photographer expert in spiritual images. His some of the most intense shots ever made on this subject.
Robert Boursnell, Self-Portrait with Spirits, Silver print cabinet card
Frederick A. Hudson (England) Mr. Raby with the Spirits “Countess,” “James Lombard,” “Tommy,” and the Spirit of Mr. Wootton’s Mother. circa 1875 – from www.photographymuseum.com
M. Parkes (England), Mrs. Collins & Her Husband’s Father, Recognized by Several, 1875
Spesso durante le sedute medianiche si materializzava, o si supponeva si materializzasse, una sostanza semi liquida che fuoriusciva dagli orifizi del medium, a cui lo scienziato Charles Richet dette il nome di ectoplasma. Questo poteva assumere svariate forme, riconducibili all’esistenza del trapassato.
Often during the seance sessions, a semi-liquid substance materialized, or was supposed to materialize, it came out of the medium’s orifices, to which the scientist Charles Richet gave the name of ectoplasm. It could take many forms, attributable to the existence of the person who passed away.
The ectoplasm comes out as a regurgitation from the mouth of the medium into a trance
C. E. Dimmick (England) “Mrs. Dorothy Henderson. Head bent forward, hands controlled and Ectoplasm covering her lap.” October 2, 1928 – www.photographymuseum.com
W. J. Crawford – The psychic structures at the Goligher circle
Ectoplasm from Kathleen Goligher
The famous medium Mina “Margery” Crandon (1889 – 1941) conducting a séance – late 20s
Debutta tra 9 giorni ad Asti lo spettacolo teatrale “SCHIAPARELLI Life”, dedicato all’immensa artista, icona indiscussa nel campo della moda e delle arti visive.
Ho lavorato al progetto come supervisore storico, e naturalmente ai costumi, insieme al fashion designer Vito Antonio Lerario.
Nunzia Antonino interpreta il ruolo di attrice protagonista, vestendo i panni di Elsa. E’ accopagnata sul palco dall’attore Marco Grossi. I due artisti vestiranno rari abiti d’epoca provenienti dal mio archivio Fashion Archives “Lerario Lapadula”. I costumi e gli accessori, nei loro volumi e nelle cromie, sono stati pensati ad hoc per la pièce, armonizzati con le scenografie di Maurizio Agostinetto, e con le animazioni di Bea Mazzone. Oltre agli abiti storici, vivono sul palco le Vito Antonio Lerario.
La regia è di Carlo Bruni, direttore artistico del teatro Garibaldi di Biscelgie (Ba), lascrittura è di Bruni ed Eleonora Mazzoni.
28 Giugno 2018 h 22. Asti Teatro “Chiesa del Gusù”.
The “SCHIAPARELLI Life” theatrical show, dedicated to the immense artist, undisputed icon in the field of fashion and visual arts, made its debut in 9 days in Asti.
I worked on the project as a historical supervisor, and naturally with costumes, together with Vito Antonio Lerario fashion designer. Nunzia Antonino plays the role of leading actress, taking on the role of Elsa.
She is flocked to the stage by the actor Marco Grossi.
The two artists will wear rare period dresses from my archive Fashion Archives “Lerario Lapadula”. The costumes and accessories, in their volumes and colors, were designed specifically for the pièce, harmonized with the sets of Maurizio Agostinetto, and with the animations of Bea Mazzone.
In addition to the historical clothes, Vito Antonio Lerario haute couture creations lives on stage.
The direction is by Carlo Bruni, artistic director of the Garibaldi theater in Biscelgie (Ba), the writing is by Bruni and Eleonora Mazzoni.
28 June 2018 h 22. Asti Teatro “Chiesa del Gusù “.
Follow Me on Instagram: https://www.instagram.com/iamlucianolapadula/
Follow Me on Facebook: https://www.facebook.com/lucianolapadulaofficial/
Follow Me on Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCXPI69uNrqeejgYR1fH9ASw
Acquista il mio libro per approfondimenti ance su Elsa Schiaparelli. Clicca sull’immagine per info. Shop my Book “The Macabre and the Grotesque in Fashion and Costume”. Click on the pic for info.
Prima delle francesi le donne italiane furono considerate maestre di eleganza. L’elegante tra le eleganti, vera e propria icona rinascimentale, fu la Marchesa di Mantova Isabella d’Este Gonzaga che ideava i propri abiti e le proprie pettinature, e amava utilizzare i profumi. al punto che essa stessa si definiva “la prima perfumera del mondo”. L’Archivio di Stato di Mantova custodisce un’ampia serie di corrispondenze dei Gonzaga, e numerosi sono i riferimenti al mondo della moda, del lusso, delle tendenze vestimentarie. Insieme a Isabella, definita dai suoi contemporanei come “la prima donna del mondo”, maestre di stile di quel tempo furono sua sorella minore Beatrice, sua cognata Lucrezia Borgia, la modella Simonetta Vespucci, chiamata la “Sans Par” per la sua eccezionale bellezza, la duchessa di Mantova Margherita Paleologa e Laura Bentivoglio da Bologna. Erano le italiane a lanciare mode che venivano seguite poi dalle corti del resto d’Europa, avanguardiste e attente a cambiare sempre indumento per evitare di essere imitate dalle donne di ceto inferiore. Isabella, vera pioniera, fu una tra le prime donne del proprio tempo a indossare i calzoni al di sotto delle gonne, spendeva ingenti somme di denaro per il proprio guardaroba, per i prodotti cosmetici, per le acconciature impreziosite da perle, nastri, capelli posticci. Così si scopre che già nel 1515 Francesco I di Francia chiese proprio a Isabella d’Este di inviargli una “bambola” simile a quella qui sotto (successiva), vestita secondo il suo straordinario gusto, in modo da permettere alle dame francesi di imitare quella moda. Da un altro scritto invece, si apprende che fu proprio la regina di Francia Caterina de Medici a inviare uno scampolo di tessuto in seta alla duchessa Margherita chiedendole di far realizzare, con quel tessuto, delle camicie dagli esperti artigiani mantovani. L’Italia, culla del Rinascimento, è stata un esempio di stile, eleganza, cultura per tutto il resto del mondo.
Before the French, Italian women were considered masters of elegance. The elegant among the elegants, true Renaissance icon, was the Marquise of Mantua Isabella d’Este Gonzaga who conceived her own clothes and her hairstyles, and loved to use perfumes. to the point that she was called “the first perfumera of the world”. The State Archives of Mantua, in Italy, hold a wide range of correspondences from the Gonzagas, and there are numerous references to the world of fashion, luxury and clothing trends. Together with Isabella, defined by her contemporaries as “the first woman in the world”, style masters of that time were her younger sister Beatrice, her sister-in-law Lucrezia Borgia, the Duchess of Mantua Margherita Paleologa and Laura Bentivoglio from Bologna. The Italians were launching fashions that were then followed by the courts of the rest of Europe, avant-garde and careful to always change garments to avoid being imitated by lower-class women. Isabella, a true pioneer, was one of the first women of her time to wear trousers under the skirts, she spent huge sums of money for her wardrobe, for cosmetics, for hairstyles embellished with pearls, ribbons, hair extensions. So it turns out that in 1515 king Francesco I of France asked Isabella d’Este to send him a “doll” similar to the one below, dressed according to her extraordinary taste, in order to allow the French ladies to imitate that fashion. On the other hand, we learn that it was the Queen of France, Caterina de Medici, who sent a remnant of silk fabric to the Duchess Margherita asking her to make, with that fabric, some shirts by expert Mantuan artisans. Italy, cradle of the Renaissance, was an example of style, elegance and culture for the rest of the world.
La riflessione sulla bellezza porta a percorrere strade impervie, in cui è facile smarrirsi nella ricerca della perfezione che lasci riconoscere il bello in senso universale e oggettivo. Da qui parte il fremito che mi ha attraversato quando ho visto i disegni di Andrew Loomis: in alcune sue opere degli anni ’40 infatti, pare l’artista abbia ritratto alcune supermodelle anni ’90 anticipandone l’immagine di 50 anni circa. Vediamo tre di questi miei confronti.
The reflection on beauty leads to travel through impervious roads, in which it is easy to lose oneself in the search for perfection that allows us to recognize beauty in a universal and objective sense. From here starts the thrill that crossed me when I saw the drawings of Andrew Loomis: in some of his artworks from 40s it seems the artist has portrayed some supermodels of the 90s anticipating the image of that kind of beauty about 50 years. We see five of these comparisons of mine.
Mitizzazione e consumo della droga non sono fenomeni moderni, ma provengono da rituali che affondano la propria nascita molto lontano nel tempo. L’arte, nelle sue forme più disparate, ha tracciato dei precisi quadri che descrivono l’utilizzo delle sostanze stupefacenti nell’alternarsi dei periodi storici. E’ affascinante quanto accaduto sul finire dell’Ottocento, quando all’estetica della donna immersa tra corsetti e fiori delicati si alternò quella di una fatale mantide, maledetta e pericolosa. Questa nuova dimensione femminile, emancipata e seducente, destabilizzò i ruoli sociali proponendo un’immagine perversa, sfrontata, impregnata questa volta di profumi oppiacei. Analizzo di seguito una serie di immagini che riguardano la Morfina, una tra le droghe più consumate da queste eroine della perdizione durante la Belle Époque.
Mythologizing and consumption of drugs are not modern phenomena, but come from rituals that sink their birth far in time. The art, in its most disparate forms, has drawn precise pictures that describe the use of drugs in the alternation of historical periods. It is fascinating what happened at the end of the nineteenth century, when the aesthetics of the woman immersed in corsets and delicate flowers alternated with that of a fatal, damned and dangerous mantis. This new feminine dimension, emancipated and seductive, destabilized social roles by proposing a perverse, shameless image, impregnated this time with opiate perfumes. I analyze below a series of images concerning Morphine, one of the most consumed drugs by these heroines of perdition during the Belle Époque.
Morphine Tools Kit from Victorian Era. Image Courtesy Art.co
Morphine tools: the syringe
Georges Moreau, La Morphine ou Les Morphinées – Collection particulière, Paris Expositions : Salon de 1886, Paris, n° 1703 (“La Morphine”)
Morphine Addicts, 1887 Albert Besnard etching Rosenwald Collection
Eugène Grasset La vitrioleuse, 1894
Santiago Rusinol “Before the Morphine”, 1894
Santiago Rusinol-“Morphine”, 1894
Eugène-Samuel Grasset — ‘La Morphine’ 1897
1899 Quack Medicine Sufferers From Morphine Or any Drug Habit Vintage Original Print Ad
Vittorio Matteo Corcos, La morfinomane – “The addict”, 1899. Famelica e perduta la donna dalla pelle diafana e dai capelli rossi troneggia al posto dell’uomo, avvolta in un fosco abito di veli neri. Ci fissa minacciosa, ed esibisce il suo potere calpestando il suo trofeo.
The woman with the diaphanous skin and the red hair is dominated and lost in the place of the man, wrapped in a dark dress of black veils. The woman stares at us menacingly, and exhibits her power trampling on her trophy.
Vittorio Matteo Corcos, La morfinomane – “The addict”, 1899
Year 1900: Ad for Cube Morphine, published in American Druggist and Pharmaceutical Record, America’s Leading Drugs Journal
Pablo Picasso, Morphinomans. 1900
Salon de 1905 – Morphine. By A. Matignon
Victorien du Saussais, La morphine. Vices et passions des morphinomanes, 1906