Con Folk Fashion ci riferiamo a uno tra i maggiori trend che hanno segnato la moda durante gli anni ’70. Come la stessa parola suggerisce, siamo di fronte a un fenomeno che vede il trionfo della “cultura popolare” sull’abito elitario. Molti fashion designer in quel decennio hanno infatti tratto ispirazione per le proprie creazioni, dai costumi tradizionali di popoli assai diversi tra loro, concependo capi esclusivi e boho chic.
Quello che analizzo del resto è un fenomeno in linea con il gusto etnico che segna tutto il decennio. L’aspetto straordinario risiede nel fatto che sempre con maggiore forza la moda, anche in questo periodo, si spinga verso “il basso” abbandonando i salotti e l’elite, sia per la ricerca produttiva che per la distribuzione. Tutti gli abiti e gli accessori che seguono provengono dal mio Archivio.
With Folk Fashion we refer to one of the major trends that signed fashion during the 70s. As the word suggests, we are faced with a phenomenon that sees the triumph of “popular culture” over the elite dress.
Many fashion designers in that decade drew inspiration for their creations, from the traditional costumes of very different countries, conceiving exclusive and boho-chic garments.
What I am analyzing is a phenomenon in line with the ethnic taste that marks the whole decade. The extraordinary aspect lies in the fact that fashion, even in this period, is increasingly pushing itself “down”, abandoning the salons and the elite, both for productive research and for distribution. All the dresses come from my Fashion Archives.
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1971. Western Country Girl dress, in Diolen Loft fabric. Ready for an Hippie Boho Chic Look. From my Fashion Archives:
Western Country Girl dress, in Diolen Loft fabric. Ready for an Hippie Boho Chic Look. From my Fashion Archives.
L’abito qui sotto proviene del mio archivio e dalla moda in stile bavarese rielaborata dal brand Zweigler per la collezione del 1972. E’ realizzato in filo di metallo dorato e velluto nero e viola. Sulla destra un’immagine da una rivista tedesca dello stesso anno che pubblicizza abiti dal gusto simile.
This dress below comes from my archive and from the Bavarian-style fashion reworked by the Zweigler brand for the 1972 collection. It is made of gold metal-lurex and black-purple velvet. On the right, an image from a German magazine of the same year advertising similarly styled clothes:
Fashion Archives a Zweigler Modell,on the left. Year 1972.
The gypsy and peasant Mood, with its pleated maxi skirts, joins the Op Art trend for this outfit by Lanvin. Year 1973, from my Fashion Archives:
Lanvin Op Art – Folk Maxi dress from my archives
A detail from a 1973c Folk Fashion dress. Finely drawn colored flowers create a bucolic and apparently simple pattern. From my Fashion Archives:
A detail from a 1973c Folk Fashion dress. From my Fashion Archives
I recreated a typical outfit from the first half of the 70s from which evident Folk influences emerge:
70s outfit, all garments from my Fashion Archives
Sheer stockings often give way to heavy wool socks, which have always been used in the cold countries of northern Europe. Ergee, founded in 1901, was one of the leading manufacturers of socks in Europe. From my Fashion Archives:
Ergee Socks, aroud 1974. From my Fashion Archives.
From a maxi dress with flounces by Alberto Fabiani. Folk style meets Roman high fashion. 1973 – 1974 c. From my Fashion Archives :
Fabiani, Rome 1974 c
The following two dresses, also from my archives, both by Yves Saint Laurent from his “Russian Collection”, year 1976-1977:
Yves Saint Laurent Russian Collection, 1976. From my Fashion Archives.
Yves Saint Laurent Russian Collection, 1976. From my Fashion Archives
Still Russian inspiration this time for a coat in multicolor silk and lurex designed by Pino Lancetti. 1978. From my Fashion Archives, on the right. On the left Gia Carangi is modeling a coat from the same collection.
Pino Lancetti Russian Insp coat. On the right, from my Fashion Archives.
Domani 25 settembre 2020, sarò ospite della Festa del Libro per la sua XVI edizione, un festival culturale promosso dall’Associazione Presidi del Libro, che attraversa 55 città italiane. Racconterò di stili di vita e mode del passato, e di come queste abbiano contribuito a costruire quel che siamo e ciò che saremo. Il Maestro Stefania Gianfrancesco dal Circolo Beethoven di Bari, interpreta il mio testo “Ragazza 1918” già pubblicato su La Gazzetta del Mezzogiorno durante la quarantena a marzo 2020, arricchito dalle illustrazioni realizzate a mano da Vito Antonio Lerario. Parlerò inoltre, con Marina Losappio, di cinema e moda, partendo dal mio libro “Il Macabro e il Grottesco nella Moda e nel Costume” edizioni Progedit. Si ringrazia per l’evento la Regione Puglia, la Città Metropolitana di Bari, i Presidi del Libro, e il MIUR Ufficio Scolastico Regionale per la Puglia. L’evento è stato pubblicato – tra gli altri – da La Gazzetta del Mezzogiorno del 24 settembre 2020.
Tomorrow 25 September 2020, I will be a guest of the “Festa del Libro” – Book Festival – for its 16th edition, a cultural festival promoted by the Presidi del Libro Association, which crosses 55 Italian cities. I will talk about lifestyles and fashions of the past, and how these have contributed to building who we are and what we will be. Maestro Stefania Gianfrancesco from the Beethoven Circle of Bari, interprets my text “Ragazza 1918” – Girl 1918- already published in La Gazzetta del Mezzogiorno during the quarantine in March 2020, enriched by illustrations made by hand by Vito Antonio Lerario. I will also talk, with Marina Losappio, about cinema and fashion, starting from my book “the Macabre and the Grotesque in Fashion and Costume” Progedit editions. Thanks for the event Regione Puglia, la Città Metropolitana di Bari, i Presidi del Libro, e il MIUR Ufficio Scolastico Regionale per la Puglia.
La Gazzetta del Mezzogiorno 24 settembre 2020
Vito Antonio Lerario illustration from “Ragazza 1918” a text by Luciano LapadulaRehearsal reading together with Stefania Gianfrancesco on my text “Ragazza 1918” – Girl 1918
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Il cimitero Père-Lachaise a Parigi, è un luogo misterioso e sacro, tra i personaggi celebri che ospita ci sono anche molti italiani, che in passato scelsero la Francia per vivere la propria straordinaria esistenza. Sono questi emigrati eccezionali i protagonisti di un’antologia che si chiama appunto “L’Italia del Père-Lachaise. Vies extraordinaires des Italiens de France et des Français d’Italie.” Tra loro il pittore pugliese Giuseppe De Nittis, protagonista del video “L’Italia del Père Lachaise”, realizzato da ImaginApulia. Ho avuto quindi l’onore e il piacere di tornare a collaborare con Roberto Eduardo Mazzarago e Daria Torriello di ImaginApulia per ricostruire insieme al mio collega Vito Antonio Lerario l’identità del pittore pugliese.
L’iniziativa proviene dal Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale, dal Consolato Generale d’Italia a Parigi e dal Comites di Parigi, con lo scopo di ricordare attraverso il libro, il video e una serie di eventi, le “Vite straordinarie degli italiani di Francia e dei francesi d’Italia”, ponendo l’attenzione sul rapporto significativo che in ambito artistico esiste tra le due nazioni.
Tra i più grandi artisti della seconda metà del 1800, Giuseppe De Nittis seppe cogliere “impressioni” e trasformarle in quadri che sono poesie. Descrivono la Francia del suo tempo, con i suoi paesaggi e i suoi costumi, splendidi ritratti di moda che ci spiegano stili di vita lontani.
Per lo styling ho selezionato con cura, dal mio archivio, costumi e accessori autentici di epoca vittoriana, con lo scopo di conferire un valore aggiunto al video. Sono rimasto sorpreso quando ho conosciuto il nome dell’attore che avrebbe interpretato De Nittis nei suoi anni di giovinezza: Pasquale Marzocca, un mio carissimo amico. Il suo volto affascinante e malinconico, unito allo styling realizzato con i miei costumi d’epoca, ha creato un’estetica forte, dandy, romantica, struggente.
La presentazione del video a Parigi è stata accolta calorosamente dai tanti presenti, in particolare da un’artista italiana contemporanea che vive in Francia: Monica Bellucci. Il 10 febbraio 2020 il lavoro è stato poi presentato anche in Italia, a Roma presso l’Ambasciata francese, poi a Ravenna, e il 16 dello stesso mese a Barletta, città natale di Giuseppe De Nittis. Un simbolico ritorno a casa, che per un pugliese come me, è stato davvero emozionante.
Posto qui sotto due fotografie che ho realizzato durante i fitting, insieme al video ufficiale dal canale di ImaginApulia, realizzato all’interno della pinacoteca comunale “Palazzo della Marra” a Barletta.
Spero vi emozioni.
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The Père-Lachaise cemetery in Paris is a mysterious and sacred place, among the famous people it houses there are also many Italians, who in the past chose France to live their extraordinary existence. These exceptional emigrants are the protagonists of an anthology which is called “The Italy of Père-Lachaise. Vies extraordinaires des Italiens de France et des Français d’Italie.” Among them the Apulian painter Giuseppe De Nittis, protagonist of the video “L’Italia del Père Lachaise”, made by ImaginApulia. I therefore had the honor and pleasure of returning to collaborate with Roberto Eduardo Mazzarago and Daria Torriello of ImaginApulia to reconstruct together with my colleague Vito Antonio Lerario the identity of the Apulian painter.
The initiative comes from the Ministry of Foreign Affairs and International Cooperation, from the Consulate General of Italy in Paris and from the Comites of Paris, with the aim of remembering through the book, the video and a series of events, the ” Extraordinary lives of the Italians of France and the French of Italy “, paying attention to the significant relationship that exists in the artistic sphere between the two nations.
Among the greatest artists of the second half of the 1800s, Giuseppe De Nittis was able to capture “impressions” and transform them into paintings that are poems. They describe the France of his time, with its landscapes and costumes, splendid fashion portraits that explain distant lifestyles.
For styling I carefully selected, from my archive, authentic Victorian costumes and accessories, with the aim of giving added value to the video. I was surprised when I met the name of the actor who would play De Nittis in his youthful years: Pasquale Marzocca, a dear friend of mine. Her charming and melancholic face, combined with the styling created with my period costumes, has created a strong, dandy, romantic, poignant aesthetic.
The presentation of the video in Paris was warmly welcomed by the many present, in particular by a contemporary Italian artist living in France: Monica Bellucci. On February 10, 2020, the work was also presented in Italy, in Rome at the French Embassy, then in Ravenna, in Florence, and on the 16th of the same month in Barletta, the birthplace of Giuseppe De Nittis. A symbolic return home, which was really exciting for an Apulian like me.
Below are two photos that I took during the fitting, together with the official video from the ImaginApulia channel, taken inside the municipal art gallery “Palazzo della Marra” in Barletta.
Il mondo delle arti è fatto da contaminazioni, da sensazioni che avvolgono lo spettatore, passando dall’occhio allo spirito. Così può capitare che ammirando una creazione di moda, come questa firmata Jole Veneziani, alla menta più o meno incosciamente tornino le atmsfre evocate da un grande artista come Giorgio Morandi, in quest’opera del 1957 chiamata “Paesaggio Levico”. La borsa, seconda metà anni ’60 c, è realizzata in velluto e pelle, nei colori cari all’artista, che ricordano paesaggi semplici, naturale, rilassato. Proviene dall’archivio della moda mio e di Vito Antonio Lerario, che trovate su facebook a questo link: Fashion Archives Lerario Lapadula e Instagram qui: Fashion Archives Official
Il marchio Jole Veneziani, dell’omonima sarta di origine pugliese, è stato amato tra le altre da dive del cinema come Lucia Bosé, recentemente scomparsa, Marlene Dietrich e il soprano Maria Callas. Dalla rivista ELLE riporto uno stralcio da una intervista rilasciata nel 2016 da Federico Bano, a capo del brand Veneziani, che ha rilanciato sul mercato.
Quali erano le doti creative della Veneziani?
«Aveva una notevole capacità di cogliere i cambiamenti e le piacevano geometrie e colori. Ha dato una grande sferzata di vitalità allo stile milanese».
Da Elle sito online. Articolo: “Moda: le borse de luxe 2016 di Veneziani”
Del resto la stessa Jole asseriva:
«In futuro vestiremo con una foglia di fico ma avremo accessori strepitosi”».
The world of the arts is made up of contaminations, of sensations that surround the viewer, passing from the eye to the spirit. So it can happen that admiring a fashion creation, like this one signed Jole Veneziani, the atmospheres evoked by a great artist like Giorgio Morandi, more or less unconsciously, return in this work of 1957 called “Paesaggio Levico”. The bag, second half of the 60s, is made of velvet and leather, in the colors dear to the artist, which recall simple, natural and relaxed landscapes. It comes from the fashion archive of mine and of my partner Vito Antonio Lerario. Can find more here on Facebook and Instagram
The Jole Veneziani brand, by the Apulian seamstress of the same name, has been loved among others by movie divas such as Lucia Bosé, recently passed away, Marlene Dietrich and the soprano Maria Callas. From the ELLE magazine I report an excerpt from an interview released in 2016 by Federico Bano, head of the Veneziani brand, which has relaunched on the market.
What were Veneziani’s creative talents? “She had a remarkable ability to grasp changes and liked geometries and colors. It gave a great boost of vitality to the Milanese style ».
Elle Magazine about Jole Veneziani new creations
Besides, Jole herself asserted:
«In the future we will dress with a fig leaf but we will have amazing accessories” “.
Giant Bucket Hats: in fashion from Belle Époque to 2020
Cappelli enormi, stravaganti, che agli albori dello scorso secolo facevano apparire le donne simili a colorati funghi e fiori eleganti. Questa tipologia di copricapo, dalla forma a grande casco rovesciato, ha ripreso linfa nel corso del ‘900 per tornare in auge durante questi ultimi anni. Pressoché disattesa la proposta di Louis Vuitton nella sua fall winter del 2012, il “Bucket Hat” è stato rielaborato da Marc Jacobs e Coach 1941 nella fw del 2017, per riapparire pressoché identico nella collezione Nina Ricci e Dior dell’autunno inverno 2019 – 2020. Ecco una mia accurata selezione per voi.
Giant, extravagant hats, which at the dawn of the last century made women look like colorful mushrooms and elegant flowers. This type of headgear, with a large inverted bucket shape, has taken on new life during the 1900s to come back into vogue during these last few years. Louis Vuitton’s proposal in his 2012 fall winter was almost completely dismissed, the “Bucket Hat” was reworked by Marc Jacobs and Coach 1941 in the fw of 2017, to reappear almost identical in the Nina Ricci and Dior collection of autumn winter 2019 – 2020 Here is an accurate selection I made for you.
If the concept of “Ready to Wear” approaches “Ready Made”, to the surreal, to the world of art in its many facets. Thierry Mugler spring summer 1992. Supermodels Niki Taylor, Yasmeen Ghauri and Naomi Campbell. The three amazing and different types of beauties of the supermodels create a unique aesthetic picture of its kind. Unrepeatable today. Iconic moments for a style that ironizes on the past, on the present and on the future…on fashion, on the wearability of a dress, on its opulent aesthetics.
Elisabeth Vigée Le Brun (1755-1842) è senza dubbio la più significativa artista donna nella Francia del Rococò. Emancipata, dotata di una raffinata bellezza e di un talento straordinario, ha ritratto personaggi illustri e alla moda durante il regno di Maria Antonietta proseguendo nel periodo Neoclassico. Ho selezionato alcune sue opere analizzando dettagli che raccontano stili e tendenze sorprendenti.
Elisabeth Vigée Le Brun (1755-1842) is undoubtedly the most significant female artist in Rococo France. Emancipated, endowed with a refined beauty and an extraordinary talent, she portrayed illustrious and fashionable characters during the reign of Marie Antoinette, continuing in that Neoclassical period that is very present in the artist’s canvases. I have selected some of her works by analyzing amazing details.
Sul biglietto che Evelyn lasciò prima del tragico salto scrisse:
“Non voglio che nessuno mi veda, nemmeno la mia famiglia. Fatemi cremare, distruggete il mio corpo.Vi supplico: niente funerale, niente cerimonie. Il mio fidanzato mi ha chiesto di sposarlo a giugno. Ma io non sarei mai la brava moglie di nessuno. Sarà molto più felice senza di me. Dite a mio padre che, evidentemente, ho fin troppe cose in comune con mia madre“
Era una ragazza di soli 23 anni.
Può un suicidio trattenere bellezza e trasformarsi in un’opera d’arte?
Io credo di si. L’elogio della morte di una bella ragazza è atroce e seducente. Da Andy Warhol a David Bowie – nella sua canzone “Jump They Say” – l’esistenza dolorosa di una vita spezzata nel suo fiorire, rende la protagonista un’eroina eterna.
“Edgar Allan Poe, all’interno del suo saggio La filosofia della composizione, scrisse che
«la morte di una bella donna è senza dubbio l’argomento più poetico del mondo»
e in proposito colma di emozione è l’immagine realizzata per caso dall’allora aiuto fotografo Robert Wiles il primo maggio 1947.
Riuscì a immortalare la ventitreenne Evelyn McHale distesa con elegante ma innaturale compostezza sul tetto di una limousine dopo un lungo volo dall’ottantaseiesimo piano dell’Empire State Building.
La fanciulla appare dolcemente sprofondata tra le scure lamiere del veicolo, i vetri infranti, l’acciaio laccato ricurvo su se stesso per la violenza dell’impatto, e lei lì, supina come una bella addormentata in un sonno senza fiato.
Dal freddo metallo della vettura emerge prepotente il colore rosso del raffinato tailleur. Bianca la camicetta e bianchi i lunghi guantini che vestono ancora alle mani. I capelli biondi circondano un volto bellissimo e dal trucco perfetto. Le calze sono abbassate. Le braccia sono piegate e la mano sinistra appare gentile accanto al volto, socchiusa in un gesto che sembra sofisticato e fascinoso.
Il suicidio perde in questo caso l’orrore del suo significato grazie alla bellezza di un’immagine che appare come quella di una rivista di moda. La paradossale assenza di sangue e di deturpazione, abbinata alla compostezza del soggetto, fecero sorgere l’appellativo con il quale la fotografia venne chiamata: “il suicidio più bello”.
L’immagine lascia scaturire una forte contraddizione nella mente dello spettatore, sedotto dall’estetica della morte che appare crudelmente soave.
Vorremmo chiedere a Evelyn il perché di quel gesto, la frustrazione per l’incomprensibilità della sua scelta genera una morbosa attenzione ai dettagli che raccontano della sua vita: la bianca sciarpa che vorticosamente scendeva dalla finestra raggiungendo il corpo, il porta- trucco lasciato in disparte insieme al cappotto ripiegato, la sua lettera di addio.
Una morte violenta per una fotografia dalla bellezza immortale.
Questa immagine attraente e insieme aberrante venne pubblicata all’interno della rivista “Life” con il titolo The Most Beautiful Suicide.
La didascalia narrava:
«At the bottom of the Empire State Building the body of Evelyn McHale reposes calmly in grotesque bier, her falling body punched into the top of a car».
Lo scatto fu poi rielaborato da Andy Warhol nel 1962 con il nome: Suicide (Fallen Body), in un’indagine sul rapporto tra bellezza, morte e Pop Art.”
On the piece of paper Evelyn left before the tragic leap, she wrote:
“I don’t want anyone in or out of my family to see any part of me. Could you destroy my body by cremation? I beg of you and my family – don’t have any service for me or remembrance for me. My fiancé asked me to marry him in June. I don’t think I would make a good wife for anybody. He is much better off without me. Tell my father, I have too many of my mother’s tendencies“
She was only 23 years old.
Can a suicide keep beauty and transform into a work of art?
I think yes. The praise of the death of a beautiful girl is terrible and seductive. From Andy Warhol to David Bowie – in his song “Jump They Say” – the traumatic existence of a life broken in its blossom, makes the protagonist an eternal heroine.
“Edgar Allan Poe, within its essay Philosophy of composition, wrote that
«the death of a beautiful woman is undoubtedly the most poetic topic of the world »
and about this the image realized by chance by the former assistant photographer
Robert Wiles on the first of May 1947 is rich of emotion.
He succeeded in capturing the twenty-three years-old Evelyn McHale lying with elegant but unnatural composure on the top of a limousine after a long flight from the eighty-sixth floor of the Empire State Building.
The girl seems to be sweetly collapsed among the dark plates of the car, the glasses smashed, the lacquered steel bent on itself because of the violence of the impact and the girl there, supine as a sleeping beauty in a breathless sleep.
From the ice-cold metal of the car there comes, violently, the red colour of the sophisticated suit. White is the
blouse and white are the long gloves that still adorn her hands. Her blonde hair frame a beautiful face with a perfect makeup. The tights are taken down. abbassate. Her arms are bent and the left hand seems to be gentle near the face, half-closed in a gesture that seems to be sophisticated and charming.
The suicide, in this case, loses the atrociousness of its meaning thanks to the beauty of an image that seems to come from a fashion magazine.
The paradoxical absence of blood and disfigurement, combined with the composure of the subject, gave birth to the title with which the picture was called: “The Most Beautiful Suicide”.
The image gives origin to a strong contradiction in the observer’s mind, seduced by the aesthetic of death that seems to be cruelly sweet.
We would like to ask Evelyn the reason of that gesture, the frustration for the incomprehensibility of her choice generates a morbid attention to the details that tell her life: the white scarf that vertically fell from the window reaching the body, the beauty case left apart together with the folded coat, her suicide note.
A violent death for a picture having an immortal beauty.
This charming and simultaneously aberrant image was published in the magazine “Life” with the title The Most Beautiful Suicide.
The caption told:
«At the bottom of the Empire State Building the body of Evelyn McHale reposes calmly in grotesque bier, her falling body punched into the top of a car».
The shot has been then redesigned by Andy Warhol in 1962 with the name: Suicide (Fallen Body), in a study about the relationship between beauty, death and Pop Art.”
La storia si ripete ciclicamente, esibendoci fragilità, paure, speranze, illusioni e chimere proprie dell’animo umano. Così dai «mille non più mille» al fuoco di nuove apocalissi lo spazio temporale pare ridursi a pochi attimi, e quella parte buia del Medio Evo torna a insinuarsi nel tessuto sociale, nella fede religiosa.
Questa volta siamo nella Russia di metà ‘700, regno di “Caterina la Grande“, imperatrice sedotta dalla modernità del pensiero francese, che voleva la sconfitta dell’insensatezza da parte della razionalità. Tuttavia il popolo rappresentato da Caterina II, in gran parte troppo povero, era avulso al fascino delle élite come a quello del pensiero razionale. Lo scisma del 1656 aveva diviso la società in “nuovi” e “vecchi” credenti, e a quest’ultima schiera appartenevano – dopo cento anni – i tanti contadini ridotti in miseria. Il bisogno di certezze esistenziali, la speranza – l’unica – di un riscatto post mortem, la convinzione accesa di una vicina fine dell’umanità, furono i focolai dell’incredibile e devastante ritorno al credo eretico proveniente da un passato che si credeva dimenticato.
La più importante tra le varie sette costituite in quel periodo fu quella degli “skoptsy” parola che deriva dal termine “skopets” ossia castrato. Fu infatti il tragico rituale dell’evirazione il caposaldo su cui quel credo si basò.
Ancora una volta il sesso tornò ad essere vissuto come il più terribile dei peccati, frutto proibito offerto dal demonio, tentazione irrinunciabile a cui potersi sottrarre solo mutilando e così estirpando organi e desiderio dal corpo e dall’animo. Quella fede trasse la propria identità da una alterata interpretazione del Vangelo di Matteo, precisamente dal passo in cui è descritto il dialogo sul divorzio tra i discepoli e Cristo. Mentre loro asseriscono che per evitare la separazione, forse sarebbe meglio per l’uomo non sposare la donna, Gesù risponde: «Non tutti possono capirlo, ma solo coloro ai quali è stato concesso. Vi sono infatti eunuchi che sono nati così dal ventre della madre; ve ne sono alcuni che sono stati resi eunuchi dagli uomini, e vi sono altri che si sono fatti eunuchi per il regno dei cieli. Chi può capire, capisca» (Matteo 19:11-12)
Spinti dal fanatismo più assoluto, i fedeli si convinsero che “il battesimo del fuoco” di Cristo fosse una metafora della sua castrazione, che faceva quindi del Messia il primo tra gli eunuchi. Dalla delirante rilettura dei passi biblici derivò la certezza che Adamo ed Eva fossero stati creati da Dio privi di organi sessuali e che solo dopo esser caduti in tentazione questi si sarebbero sviluppati sui loro corpi.
A indottrinare i proseliti fu il mistico fondatore della setta, Kondratij Selivanov. Il suo spaventoso motto descriveva la pratica di auto evirazione a cui si era sottoposto: «Datemi dunque la mia spada, ché tagli con la destra la testa del serpente.»
Serafico nell’aspetto, dotato di notevole intelligenza e grande magnetismo, segnò la storia delle Russia, terra sempre attratta da personaggi carismatici e scismi religiosi. In breve riuscì a spopolare tra le genti, passando dalla campagna ai salotti alla moda dell’aristocrazia di San Pietroburgo e Mosca. All’interno di quelle stanze, sempre al piano superiore della casa, metafora del Cielo, il santone si presentava disteso su un baldacchino, con indosso paramenti sontuosi, circondato da scenografie mistiche fortemente evocative, ossessive.
Divisi per camere in base al sesso, i presenti, tra loro molti bambini, ardevano ipnotizzati dalla presenza del “dio fatto uomo”, e in rituali che dallo spirituale sfociavano nel turpe, si abbandonavano a canti e danze scatenate, isteriche. Spesso durante queste cerimonie avveniva che i «maestri» usassero forbici e coltelli per intervenire sul corpo e sull’anima degli iniziati. Così alle donne era praticata l’amputazione del seno, e la “clitoridectomia” con l’ablazione di parte delle piccole e grandi labbra. Agli uomini, anche ai fanciulli, era invece inflitta l’asportazione dello scroto e dei testicoli. Spaventoso era il rituale del «sigillo imperiale» che invece prevedeva la completa evirazione del pene. Al termine degli interventi i nuovi eunuchi urlavano: «Cristo è risorto.»
Le oblazioni dei nobili introdussero sempre maggior denaro nelle casse dei maestri della setta, i quali assetati di ricchezza presero a ostacolarsi l’un l’altro, fino a sancire con denunce e maldicenze il proprio epilogo. Nel 1820 anche Selivanov venne arrestato, fatto che inflisse il corpo mortale agli skoptsy. Un ultimo baluardo della congrega si registrò in Romania intorno al 1880.
Kondratij, uomo che passò dalla povertà della vita contadina ai palazzi di potere degli Zar, morì a centodue anni, non riuscendo solo per poco ad assistere alla nascita di colui che avrebbe oscurato la sua presenza per fama o infamia, Grigorij Efimovič Rasputin, ma questa è un’altra storia.
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History repeats itself cyclically, exhibiting fragility, fears, hopes, illusions and chimeras of the human soul. So from the “thousand no more thousand” to the fire of new apocalypses the temporal space seems to be reduced to a few moments, and that dark part of the Middle Ages returns to creep into the social fabric, into religious faith.
This time we are in mid-eighteenth-century Russia, the reign of “Catherine the Great”, an empress who looked at the modernity of French thought, which at the time wanted the defeat of senselessness on the part of rationality. However, the people represented by Catherine II, largely too poor, were free from the charm of the elites as well as that of rational thought. The schism of 1656 had divided society into “new” and “old” believers, and to this last group belonged – after a hundred years – the many farmers reduced to poverty. The need for existential certainties, the hope – the only one – of a post mortem redemption, the burning conviction of a near end of humanity, were the outbreaks of the incredible and devastating return to the heretical belief from a past that was thought to have been forgotten .
The most important sect constituted in that period was that of the word “skoptsy” which derives from the term “skopets” or castrated. It was in fact the tragic ritual of the emasculation the cornerstone on which that creed was based.
Once again sex returned to being lived as the most terrible of sins, the forbidden fruit offered by the devil, an indispensable temptation to be escaped only by mutilating and thus extirpating organs and desire from the body and soul. That faith drew its own identity from an altered interpretation of the Gospel of Matthew, precisely from the passage in which the dialogue between the disciples and Christ on divorce is described. While they assert that to avoid it, perhaps it would be better for the man not to marry the woman, Jesus answers them: “All cannot accept this saying, but only those to whom it has been given:For there areeunuchs who were born thus from their mother’s womb, andthere are eunuchs who were made eunuchs by men, and there are eunuchs who have made themselves eunuchs for the kingdom of heaven’s sake. He who is able to accept it,let him accept it.”(Matthew 19: 11-12)
Driven by the most absolute fanaticism, the faithful were convinced that the “baptism of fire” of Christ was a metaphor of his castration, which therefore made the Messiah the first among the eunuchs. From the delirious rereading of the biblical passages came the certainty that Adam and Eve were created by God devoid of sexual organs and that only after falling into temptation would they develop on their bodies.
The mystic founder of the sect, Kondratij Selivanov, indoctrinated the proselytes. His frightful motto described the practice of self-castration to which he had submitted: “Give me then my sword, for you cut the serpent’s head with your right hand.”
Seraphic in appearance, endowed with considerable intelligence and great magnetism, he marked the history of Russia, a land always attracted by charismatic characters and religious schisms. In short, he succeeded in depopulating among the peoples, passing from the countryside to the fashionable salons of the St. Petersburg and Moscow aristocrats. Inside those rooms, always on the top floor of the house, a metaphor of Heaven, the saint stood out on a canopy, wearing sumptuous vestments, surrounded by mystical, strongly evocative, obsessive sets.
Divided into rooms based on sex, those present, among them many children, burned hypnotized by the presence of the “god made man”, and in rituals that flowed from the spiritual into the absurd, were abandoned to hysterical songs and dances. Often during these ceremonies it happened that the “masters” used scissors and knives to intervene on the body and soul of the initiates. So women were given breast amputation, and “clitoridectomy” with the ablation of part of the small and large lips. For men, even for children, the removal of the scrotum and the testicles was instead inflicted. The ritual of the “imperial seal” was rather frightening, which instead provided for the complete emasculation of the penis. At the end of the interventions the new eunuchs shouted: “Christ is risen.”
The oblations of the nobles introduced more and more money into the coffers of the masters of the sect, who, thirsty for wealth, began to obstruct one another, until their epilogue was ratified with denunciations and slander. In 1820 also Selivanov was arrested, which inflicted the mortal body on skoptsy. One last bastion of the coven was registered in Romania around 1880.
Kondratij, a man who passed from the poverty of peasant life to the palaces of power of the Tsar, died at one hundred and two years, not being able to witness the birth of one who would have obscured his presence for fame or infamy, Grigorij Efimovič Rasputin, but this is another story.
Kondratii Selivanov, (Кондратий Селиванов) founder of Skoptsy-movement. Drawing from early 19th cantury From: “Study of the Skoptsy Heresy” – 1844 razor blades and knives used for emasculation Russian man and woman portrayed in a cabinet card. she shows her amputated breasts
Sad young boy in a cabinet card shows his penis amputated according to the practice that they called “imperial seal”
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È la fine del XIX secolo, il mondo pare cambiare troppo vorticosamente. Il metallo svetta dal cemento delle metropoli e promette di toccare il cielo. Nuove generazioni si scontrano con quelle vecchie, i cabaret sono affollati da “cocotte”, i bar da artisti che annegano nell’assenzio insieme alle prostitute. La domenica si indossa l’abito buono, chi può permetterselo sfoggia quello bianco. Cambia il modo di ricordare, la fotografia sostituisce le tele dei pittori, e ci descrive di quella strana moda che imperversò durante l’epoca vittoriana giungendo ai primi decenni del nuovo secolo: lo spiritismo. Dalla Russia degli Zar a Villa Santa Barbara di Cefalù personaggi carismatici, mistici, visionari muovono folle di adepti assetati di conoscere i segreti della vita e della morte. Il clima di trasformazione sociale, i nuovi mostruosi mondi generati dal capitalismo, generano ansia, terrore, malattia. Tubercolosi e sifilide sono solo due tra i tanti virus che decimano impietosi uomini e donne, i dagherrotipi cercano di fermare inutilmente quelle esistenze, ma sono solo fotografie. Allora ci si riunisce in casa, nel salotto, si chiudono le pesanti tende in broccato e intorno a un tavolo solitamente con tre gambe, le mani dei presenti si stringono in una catena, e il medium invoca una presenza. Di seguito una selezione di immagini d’epoca che testimonia la pratica dello spiritismo tra la fine del 1800 e l’inizio del 1900. Come tutte le tendenze, numerosi fiorirono i gabinetti fotografici esperti nel ritrarre quelle immagini che presero il nome di “fotografie spiritiche”. Alcune tra queste sono frutto di un abile e antesignana pratica di fotoritocco, i cui effetti speciali hanno contribuito ad alimentare come vento sul fuoco le fiamme della speranza, il morbo della conoscenza, consumando le struggenti notti di quel tempo perduto.
It’s the end of the Nineteenth century, the world seems to change too vortically. Metal stands out from the cemented streets of the metropolises and promises to touch the sky. New generations clash with old ones, cabarets are crowded with “cocottes”, bars by artists drowning in absinthe along with prostitutes. On Sundays people wear the “good dress”, a white one if wealthy. The way to remember changes, photography replaces the paintings, and describes that strange fashion that raged during the Victorian Age reaching the first decades of the new century: spiritualism. From Tsars’ Russia to Villa Santa Barbara in Cefalù, charismatic, mystical and visionary characters move crowds of adepts eager for knowing the secrets of life and death. The mood of general social transformation, the new monstrous worlds created by capitalism, generate anxiety, terror, disease. Tuberculosis and syphilis are just two of the many viruses that merciless decimate men and women, daguerreotypes try to uselessly stop those existences, but they are only photographs. Hence people meet at home, in the living room, they close the heavy brocade curtains and around a table with three legs the hands of those present are clutched in a chain, and the medium invokes the presence. Below you can find a selection of antique images proving the practice of spiritualism between the late 1800s and early 1900s. Like all the trends, there bloomed numerous photographic cabinets, specialized in portraying those images that took the name of “spiritual photographs”. Some of those images are the result of a skilled and precursor practice of photo editing, which special effects have helped to fuel the flames of hope, the morbidness of knowledge like the wind on the fire, consuming the poignant nights of that lost time.
Special Thanks for supporting translation SERENA BARTOLO
Luciano Lapadula
Victorian couple with ghost of daughter
Katie King fu il nome di uno tra i più famosi – presunti – fantasmi che sul finire dell’Ottocento presero forma grazie alla medium Florence Cook, fu così che gli spiritisti attribuirono lo stesso nome alla materializzazione spiritica di quegli anni.
Katie King was a popular ghost evocated by Florence Cook, and was already the name given by Spiritualists in the 1870s to what they believed to be a materialized spirit. The question of whether the spirit was real or a fraud was a notable public controversy of the mid-1870s.
Katie King materialized, photograph of Sir William Crookes
Eusapia Palladino, nata nel 1854 a Minervino Murge, in provincia di Bari: Fu una tra le medium più conosciute e accreditate di tutti i tempi. L’iniziazione allo spiritismo avvenne quando, lavorando come cameriera presso una benestante famiglia, iniziò a prendere parte alle sedute organizzate nella lussuosa dimora. Fu durante quelle sedute che si verificarono fenomeni mai accaduti prima, che furono attribuiti alla presenza della giovane. Nella sua carriera di occultista ebbe fama mondiale affascinando aristocratici e scienziati, tra i quali Cesare Lombroso e persino Pierre e Marie Curie.
Eusapia Palladino, born in 1854 in Minervino Murge, near Bari: she was one of the best known and accredited mediums of all time. The initiation into spiritism came when, working as a waitress with a rich family, she began to take part in the sessions inside the luxurious home. It was during those sessions that phenomena never happened before were ascribed to the presence of the young woman. In her career as an occultist she gained world fame by captivating aristocrats and scientists, including Cesare Lombroso and even Pierre and Marie Curie.
Eusapia Palladino Hands. Collection Tony Oursler
The well-know italian medium Eusapia Palladino during a spiritual seance
Eusapia Palladino at the home of Camille Flammarion, Rue Cassini. Full levitation of a table. 12 November 1898
Victorian Spiritualism Movement Seance conducted by John Beattie in Bristol in England, 1872
Ghost levitation
Amazing spirit photography by astonishing William Hope: english author, photographer, sailor, and body-builder
William Hope
William Hope
William Hope
French medium Marthe Beraud aka Eva Carriere
A young woman face appear from ectoplasm by Eva Carriére – 1912
1912: Eva Carriere has a spiritic light between her hands and a materialization on her head.
Richard Boursnell (1832 – 1909), medium e fotografo britannico esperto in immagini spiritiche. Suoi alcuni tra i più intensi scatti mai realizzati su questo tema.
Richard Boursnell (1832 – 1909), medium and British photographer expert in spiritual images. His some of the most intense shots ever made on this subject.
Robert Boursnell, Self-Portrait with Spirits, Silver print cabinet card
Frederick A. Hudson (England) Mr. Raby with the Spirits “Countess,” “James Lombard,” “Tommy,” and the Spirit of Mr. Wootton’s Mother. circa 1875 – from www.photographymuseum.com
M. Parkes (England), Mrs. Collins & Her Husband’s Father, Recognized by Several, 1875
Spesso durante le sedute medianiche si materializzava, o si supponeva si materializzasse, una sostanza semi liquida che fuoriusciva dagli orifizi del medium, a cui lo scienziato Charles Richet dette il nome di ectoplasma. Questo poteva assumere svariate forme, riconducibili all’esistenza del trapassato.
Often during the seance sessions, a semi-liquid substance materialized, or was supposed to materialize, it came out of the medium’s orifices, to which the scientist Charles Richet gave the name of ectoplasm. It could take many forms, attributable to the existence of the person who passed away.
The ectoplasm comes out as a regurgitation from the mouth of the medium into a trance
C. E. Dimmick (England) “Mrs. Dorothy Henderson. Head bent forward, hands controlled and Ectoplasm covering her lap.” October 2, 1928 – www.photographymuseum.com
W. J. Crawford – The psychic structures at the Goligher circle
Ectoplasm from Kathleen Goligher
The famous medium Mina “Margery” Crandon (1889 – 1941) conducting a séance – late 20s
