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90s Make-Up: the guide. Pt 1

The Lux on 90s Make-Up

«Com’era il trucco negli anni ’90?» Una domanda che il mio pubblico di follower, studenti e professionisti mi rivolge spesso. A differenza dei decenni precedenti infatti, caratterizzati proprio da trucco e acconciature ben definibili e strong, nei 90s gli estremismi paiono svanire in favore di un volto in linea con il minimalismo, circondato da una semplice riga al centro. Vedremo nelle immagini che ho raccolto per voi, come nel 1990 e 1991 si assista a revival di stili primi ’60, per poi dal 1992 evolversi attraverso il Grunge. Ci sono tuttavia dei punti fermi a cui impossibile sottrarsi per realizzare un make-up perfettamente primi 90s:

1: Volto chiaro, chiarissimo, opacizzato dalla cipria.

2: Labbra – in contrasto col pallore – ingrandite da rossetti Mat di colori scuri, estremamente usato il color mattone, il bordeaux, il vinaccia, in alcuni casi anche il rosso e il nero, per un look creepy – neo goth.

3: Blush, poco, utile ad accendere le guance, che spesso erano rosa dall’effetto naturale, come accese dal freddo. Nell’estate del 1993 fu di moda il rosso corallo nelle sue sfumature, alternato al “deserto rosa”, con toni ambrati, sfumature sabbia, argilla, polveri avorio rosé.

4: Occhi intensi e languidi con ombretti sfumati, molto leggeri, nei toni dell’arancio, del bordeaux, del viola, per uno sguardo perduto e malaticcio da bad girl, evidenziato da un sottile rigo di eyeliner in stile anni ’60.

5: Sopracciglia sottili, molto sottili, in casi più estremi anche del tutto depilate.

Nel complesso gli anni ’90 hanno racchiuso nella loro estetica, un insieme di novità provenienti da culture ed epoche diverse, segnando il trionfo del Vintage. Era assai alla moda il revival relativo al periodo fine anni ’60 primi anni ’70. A partire dal 1992 il cambiamento sociale venne interpretato dalla moda attraverso la creazione di abiti e look essenziali, acconciature semplici, e volti dal trucco minimal chic, il make-up fu di ispirazione agli anni ’20. Fu proprio nel 1992 che dal mondo musicale di Seattle giunse il Grunge, diffondendo lo stile estetico di band come i Sonich Youth e i Nirvana sulle passerelle. Icone della musica e del cinema, come Curtney Love e Drew Barrymore, comparivano in tv e sui magazine indossando quello stile che pareva provenire da una dimensione notturna e da un tempo lontano. Nel 1993 il revival dello stile anni ’70 crebbe, anche grazie al look di Madonna (vedi articolo cliccando qui) che nel suo video “Deeper and Deeper” ripropose con successo una splendida estetica “Disco”. Intanto insieme ad attrici e cantanti il fashion system e la cultura pop celebravano nuove eroine: supermodelle dai volti straordinari, testimonial contese dagli stilisti ed emulate dal pubblico di tutto il mondo, anche nel trucco. Di seguito una serie di immagini che ripercorrono gli anni ’90, l’edonismo che ha caratterizzato questo decennio è visibile sui volti, il trucco è un segno, e si vede. Nel mio prossimo articolo la storia del Make-Up dal 1994 al 1999.

Chi vuole approfondire tematiche riguardanti aspetti insoliti della storia della moda può leggere il mio libro, il link al termine di questo articolo.

Luciano Lapadula

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“What was the makeup like in the 90s?” A question that my audience of followers, students and professionals often asks me. Unlike previous decades, in fact, characterized precisely by make-up and hairstyles well defined and strong, in the 90s the extremisms seem to fade in favor of a face in line with minimalism, surrounded by a simple middle part. We will see in the images that I have collected for you, how in the 1990s and 1991 there was a revival of early 60s styles, and then from 1992 everything evolved through Grunge. However, there are some fixed points that it is impossible to avoid in order to create a perfectly early 90s make-up:

1: Face clear, very clear, opacified by face powder.

2: Lips – in contrast to the pallor – enlarged by Mat lipsticks of dark colors, brick, burgundy, marc, in some cases even red and black, for a creepy – neo goth look.

3: Blush, little, useful for lighting the cheeks, which were often pink with a natural effect, as if lit by the cold. In the summer of 1993, coral red was fashionable in its shades, alternating with the “pink desert”, with amber tones, shades of sand, clay, ivory and rosé powders.

4: Intense and languid eyes with shaded, very light eyeshadows in shades of orange, burgundy, purple, for a lost and sickly bad girl look, highlighted by a thin line of 60s-style eyeliner .

5: Thin eyebrows, very thin, in more extreme cases even completely depilated.

Overall, the 90s enclosed in their aesthetics a set of novelties from different cultures, marking the triumph of Vintage. The revival for the late 60s and early 70s was very fashionable. Starting in 1992, social change was interpreted by fashion through the creation of essential clothes and looks, simple hairstyles, and faces with minimal chic makeup that was inspired by the 1920s. It was in 1992 that Grunge came from the musical world of Seattle, spreading the aesthetic style of bands like Sonich Youth and Nirvana on the catwalks. Music and cinema icons, such as Curtney Love and Drew Barrymore, appeared on TV and in magazines wearing that style that seemed to come from a nocturnal dimension and from a distant time. In 1993 the revival of the 70s style grew, also thanks to Madonna’s look (see article here) who in her video “Deeper and Deeper” successfully reproduced a splendid “Disco” aesthetic. Meanwhile, together with actresses and singers, the fashion system and pop culture celebrated new heroines: supermodels with extraordinary faces, testimonials contested by stylists and emulated by audiences all over the world, even in make-up. Below is a series of images that retrace the 90s, the hedonism that characterized this decade is visible on the faces, makeup is a sign, and it shows. In my next article I will write about Make-Up in fashion history from 1994 to 1999. Anyone who wants to learn more about unusual aspects of the history of fashion can read my book, the link at the end of this article. Stay tuned and Follow me.

Luciano Lapadula

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From my press archive, a beautiful image signed by Giorgio Armani for his “Woman of the 90s”, which seems to come from the 1920s. Hair Oribe for Oribe at Parachute Hair. Makeup Rumiko for Suga Salon Nyc
Iceberg from Vogue Italia feb 1990. The model wears a strong make-up, in line with her rock look. The hairstyle is typical of 1990
Thin hair and gull wing eyebrows for Linda Evangelista. Vogue February 1990
Supermodel Linda Evangelista in Dolce & Gabbana on Vogue Italia Aug 1990. Linda’s make-up takes up the late New Look. Sophisticated and elegant, still a little Pin-Up
Madonna from a service dedicated to her by Herb Ritts on Vogue August 1990. The singer plays with a look and pose from the past, presents herself with thick eyebrows, an aspect that will radically change the following year. Read my post on Madonna and Marlene Dietrich here
Yasmeen Ghauri Vogue Italia Feb 1991 modeling Gianmarco Venturi ph by Walter Chin. The exotic beauty of the supermodel is highlighted by a warm and still rather strong make-up, in line with the fashion of 1991. It will change the following year
A pin-up eyeliner for Yaseen Ghauri in Valentino, on Vogue Italia February 1991
Countless and quick changes of look for supermodels. On Vogue Italia August 1991 Linda Evangelista wears a Make-Up that makes us remember Sophia Loren
Sherilyn Fenn, the iconic Twin Peaks actress, makes vintage 50s-style make-up the strong point for her splendid image. Steven Meisel for Dolce & Gabbana on Vogue Italia August 1991
1992. GRUNGE is a Fashion tred. Supertop Naomi Campbell and Kristen McMenamy with “Nirvana” t-shirt Ph Steven Meisel on Vogue Us “Grunge and Glory”
Yasmeen Ghauri for Gaetano Navarra on Vogue Italy October 1992. The supermodel appears a year later with a Make-Up that is completely different from the previous one
Kate Moss arond 1992
One of the most iconic photographic shots of the 90s. Kate Moss together with Nadja Auermann wrapped in ostrich feather boas with a smokey eyes make-up, thin, languid and ethereal eyebrows evoke the atmosphere of the late 20s and early 30s (but 70s too). Dolce & Gabbana on Vogue Italy October 1992
Naomi Campbell for Anna Molinari Blumarine on Vogue Italy October 1992. 70s inspired Make-Up and Hairstyle
A minimal and bright make-up, shiny and flesh-colored lips, wet hair. Linda Evangelista sensual for Valentino Pelle on Vogue Italia October 1992
Always Linda Evangelista, this time haughty in her look that seems to come from the 60s. Very elegant and superb in Gianfranco Ferré on Vogue Italia October 1992. Ph Steven Meisel
Chanel ad. Model Christy Turlington, from Vogue Italia Dec 1992
Kristen McMenamy: an essential make-up that enhances the strong and intense features of the supermodel. Vogue Italia Dec 1992
Carla Bruni Make-Up on Vogue Italia December 1992
Christy Turlington in the early 90s poses for a photo shoot dedicated to Make-Up
Eva Herzigová, one of the most iconic face of 90s (and ever). Vogue Italia January 1993
Madonna Make-Up in 1993 c: No eyewbrows fro a 70s mood. Vintage was popular during 90s, thanks to Madonna too. Read my post on Madonna and Marlene Dietrich here
Carla Bruni wears a make-up suitable for the evening, the magazine says: very clear 60s style mouth
Supertop Helena Christensen on Vogue Italia Jan 1993
Stephanie Seymour, she wears a smokey eyes make-up that revisits the 60s style. Vogue Italia January 1993
Curly Middle Part for the beautiful top model Claudia Schiffer, 1993
Linda Evangelista. Oh yes this is very 90s
Kate Moss wears a Make-Up in perfect 90s style, which enhances the beauty of the face without hiding it
Still Kate Moss in 1993 with her special Make-Up, trend of the ’93 autumn: Romantic Glow. Ph Guy Marineau
Light shades and brick lipstick for an iconic make-up on an iconic supermodel: Eva Herzigová for Giorgio Grati. She adopted a Marilyn Monroe style. Vogue Italia October 1993
Very clear faces, 20s style thin eyebrows and middle part. This is the 90s face
Vogue Italia December 1993. The lightheartedness of that time on the faces of the models.
See you on my next article about make-up from ’94 to ’99.

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“The Macabre and Grotesque in Fashion and Costume History”

Il mio libro: “Il Macabro e il Grottesco nella Moda e nel Costume”. Clicca l’immagine per info e shop

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“Splendori e miserie di Madame Royale”. Italian Gay Movie from 1970

Il lato oscuro del mondo omosessuale nella Roma del 1970 emerge prepotente da questo film che lacera, con leggera irriverenza, la coscienza dello spettatore. La storia, una forte denuncia sociale per l’epoca, è quella di un gruppo di travestiti medio borghese che ha superato la mezza età. La fragilità, la complicità, la ricerca disperata d’amore viene infranta per tutta la durata del film da una serie di nefasti eventi che sono in realtà un triste compromesso sociale a cui i protagonisti sono costretti, «come fosse la forza del destino».

Un quadro drammatico, grottesco e ridicolo, impietoso e sarcastico esibisce i personaggi che provengono da un mondo sommerso, notturno, scomodo, eppure quanto mai vivo e impregnato da una pallida nostalgica voglia di vita.

La produzione della pellicola è italo-francese, la regia è dell’eclettico Vittorio Caprioli, che nel film recita in modo straordinario il ruolo di una guardia che è anche un travestito dal nome “Bambola di Pechino”, una Kiki de Montparnasse tragicamente esasperata. Nel cast il ruolo del commissario cinico e fascinoso – che indaga su traffici della malavita – è interpretato dal francese Maurice Ronet. La bionda Jenny Tamburi, nel film Mimmina, è un’irrequieta e spregiudicata ragazza cresciuta come una figlia dal protagonista assoluto della pellicola: Ugo Tognazzi, alias Alessio.

L’omicidio di un colonnello che di notte batteva il marciapiede indossando una parrucca bionda apre la pellicola. Poco dopo – non è un caso a mio avviso – la scena si sposta all’interno una macelleria in cui trionfano macabri resti animali che ricordano le tele di Soutine, metafora per i corpi – e le anime – di quanti cerchino amore attraverso il battuage.

Le scene sono girate per lo più di notte, anche all’interno della casa del protagonista Madame Royale. L’arredamento è kitsch, pesante, colmo di elementi superflui e in contrasto tra loro che in quel confuso insieme ridicolizzano aspetti comuni e mediocri del vivere italiano. Tra gli altri, si osservano un poster di calciatori appeso al muro insieme alle immagini della Regina Elena di Savoia e Maria José, oltre alle immancabili sbiadite foto ricordo di famiglia. Soprammobili demodé «zuppiere, tazze e chicchere» varie.

Le scene e i costumi, belli davvero nella loro spietata cruda veridicità, sono di Pier Luigi Pizzi. Le pellicce di Fendi. Il fascinoso e spietato commissario «dagli occhi chiari» invece, rigoroso e disumano antagonista, veste completi grigio scuro firmati Piattelli. Le musiche, intense anche queste, immergono nella realtà del tempo, tragicamente comica, e sono composte da Fiorenzo Carpi, dirette dal bravissimo Bruno Nicolai. Ci sono inoltre anche due canzoni opera del regista Caprioli: “Vecchio Mio” e “Quelle come me”.

Il ruolo interpretato da Tognazzi è tutt’altro che facile, eppure lui risulta straordinario. È sbalorditivo e credibilissimo nella sua recitazione. Anima buona e sola, disperatamente ricerca affetto da sua sorella che non è in grado di dargliene ricambiandolo invece con una serie di guai che man mano diverranno insormontabili, facendogli espiare peccati mai commessi.

La splendida scena comica e sarcastica iniziale, con la comitiva di travestiti che affolla il Colosseo, anticipa commoventi spaccati di vita comune che illuminano la inconsolabile realtà di chi – come il protagonista – è costretto a vivere ai margini della società. Per le feste che dà in casa, appuntamento settimanale, Alessio – ex ballerino ora corniciaio – si trasforma in Madame Royale e indossa sgargianti abiti da quattro soldi che rievocano quelli di Maria Antonietta. Ciascuno dei presenti è una maschera di se stesso, le piume di struzzo, i kimono dal gusto orientale, gli strass e le parrucche incipriate sono metafora del triste carnevale di quella esistenza umana.

Non voglio entrare in ulteriori dettagli né svelare il finale per quanti non abbiano ancora visto questo film, poco ricordato eppure significativo, felliniano e pasoliniano per certi aspetti, divertente e drammatico lascia un senso di incompresa solitudine, come la vita dei protagonisti.

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1970. The dark side of the homosexual world in Rome emerges domineeringly from this film which tears, with slight irreverence, the viewer’s conscience. The story, a strong social complaint for the time, is that of a middle-class group of transvestites who has passed the middle age.

The fragility, the complicity, the desperate search for love is shattered for the entire duration of the film by a series of nefarious events which are actually a sad social compromise to which the protagonists are forced, “as if it were the force of destiny” dramatic, grotesque and ridiculous, merciless and sarcastic picture shows the characters who come from a submerged, nocturnal, uncomfortable world, yet very alive and impregnated by a pale nostalgic desire for life.

The production of the film is Italian-French, the direction is of the eclectic Vittorio Caprioli, who in the film plays the role of a guard who is also a transvestite named “Beijing Doll”, a tragically exasperated Kiki de Montparnasse. In the cast, the role of the cynical and fascinating commissioner – who investigates the trafficking of the underworld – is played by Maurice Ronet. The blonde Jenny Tamburi, as “Mimmina”, is a restless and unscrupulous girl raised as a daughter by the absolute protagonist of the movie: Ugo Tognazzi, aka Alessio.

The murder of a colonel who hit the sidewalk at night wearing a blonde wig opens the film. Shortly thereafter – it is no coincidence in my opinion – the scene moves inside a butcher shop where macabre animal remains triumph reminiscent of Soutine’s canvases, a metaphor for the bodies – and the souls – of those who seek love through battuage. The scenes are mostly shot at night, even inside the home of the protagonist “Madame Royale”. The furniture is kitschy, heavy, full of superfluous and contrasting elements that in that confused together ridicule common and mediocre aspects of Italian life. Among others, there is a poster of footballers hanging on the wall together with images of italian Queen Elena of Savoy and Maria José, in addition to the inevitable faded family souvenir photos. Various “tureens, cups and little cups” demodé ornaments. The scenes and costumes, truly beautiful in their ruthless raw truthfulness, are by Pier Luigi Pizzi. The furs of Fendi. The charming and ruthless “light-eyed” commissioner, on the other hand, rigorous and inhuman antagonist, wears dark gray suits by Piattelli. The music, intense also these, immerse in the reality of the time, tragically comic, and are composed by Fiorenzo Carpi, directed by the talented Bruno Nicolai. There are also two songs by the director Caprioli: “Vecchio Mio” and “Quelle come me”.

The role played by Tognazzi is far from easy, yet he is extraordinary. He is stunning and highly credible in his acting. A good and lonely soul, desperately looking for affection from his sister who is unable to give him back instead with a series of troubles that will gradually become insurmountable, making him atone for sins never committed. which crowds the Colosseum, anticipates moving sections of common life that illuminate the inconsolable reality of those who – like the protagonist – are forced to live on the margins of society.

For the parties he gives at home, weekly appointment, Alessio – former dancer now a framer – turns into Madame Royale and wears bright cheap and kitsch clothes that recall those of Marie Antoinette. Each of those present is a mask of himself, ostrich feathers, kimonos with an oriental taste, rhinestones and powdered wigs are a metaphor for the sad carnival of that human existence. I don’t want to go into further details or reveal the ending have still seen this film, little remembered yet significant, Fellini and Pasolini in some aspects, fun and dramatic, leaves a sense of misunderstood solitude, like the life of the protagonists. Follow my blog.

Ugo Tognazzi ”Splendori e miserie di madame Royal”, 1970 (ANSA/effedia)
Que Fais-Tu Grande Folle? French version from the movie
Madame Roryale. On the wall old italian Queens
Ugo Tognazzi as Madame Royale and the filmaker Vittorio Caprioli alias Bambola di Pechino
Filmaker and Actor Vittorio Caprioli as “Bambola di Pechino”
At the Court of Madame Royale
Grotesque transvestite , invited to the weekly party
Grotesque Salomè  at the party
Ugo Tognazzi as Alessio

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The Most Beautiful Suicide

Sul biglietto che Evelyn lasciò prima del tragico salto scrisse:

Non voglio che nessuno mi veda, nemmeno la mia famiglia. Fatemi cremare, distruggete il mio corpo.Vi supplico: niente funerale, niente cerimonie. Il mio fidanzato mi ha chiesto di sposarlo a giugno. Ma io non sarei mai la brava moglie di nessuno.
Sarà molto più felice senza di me. Dite a mio padre che, evidentemente, ho fin troppe cose in comune con mia madre

Era una ragazza di soli 23 anni.

Può un suicidio trattenere bellezza e trasformarsi in un’opera d’arte?

Io credo di si. L’elogio della morte di una bella ragazza è atroce e seducente. Da Andy Warhol a David Bowie – nella sua canzone “Jump They Say” – l’esistenza dolorosa di una vita spezzata nel suo fiorire, rende la protagonista un’eroina eterna.

Tratto dal mio libro “Il Macabro e il Grottesco nella Moda e nel Costume“,

la descrizione dell’accaduto.

 

“Edgar Allan Poe, all’interno del
suo saggio La filosofia della composizione,
scrisse che
«la morte di una bella
donna è senza dubbio l’argomento
più poetico del mondo»
e in proposito
colma di emozione è l’immagine
realizzata per caso dall’allora aiuto fotografo
Robert Wiles il primo maggio
1947.
 
Riuscì a immortalare la ventitreenne
Evelyn McHale distesa con
elegante ma innaturale compostezza
sul tetto di una limousine dopo un
lungo volo dall’ottantaseiesimo piano
dell’Empire State Building.
La fanciulla appare dolcemente
sprofondata tra le scure lamiere del
veicolo, i vetri infranti, l’acciaio laccato
ricurvo su se stesso per la violenza
dell’impatto, e lei lì, supina come
una bella addormentata in un sonno
senza fiato.
 
Dal freddo metallo della
vettura emerge prepotente il colore
rosso del raffinato tailleur. Bianca la
camicetta e bianchi i lunghi guantini
che vestono ancora alle mani. I capelli
biondi circondano un volto bellissimo
e dal trucco perfetto. Le calze sono
abbassate. Le braccia sono piegate e
la mano sinistra appare gentile accanto
al volto, socchiusa in un gesto che
sembra sofisticato e fascinoso.
 
Il suicidio
perde in questo caso l’orrore del
suo significato grazie alla bellezza di
un’immagine che appare come quella
di una rivista di moda. La paradossale
assenza di sangue e di deturpazione,
abbinata alla compostezza del soggetto,
fecero sorgere l’appellativo con il
quale la fotografia venne chiamata:
“il suicidio più bello”.
 
L’immagine lascia
scaturire una forte contraddizione
nella mente dello spettatore, sedotto
dall’estetica della morte che appare
crudelmente soave.
 
Vorremmo chiedere a Evelyn il perché di quel gesto,
la frustrazione per l’incomprensibilità
della sua scelta genera una morbosa
attenzione ai dettagli che raccontano
della sua vita: la bianca sciarpa che
vorticosamente scendeva dalla finestra
raggiungendo il corpo, il porta-
trucco lasciato in disparte insieme al
cappotto ripiegato, la sua lettera di
addio.
 
Una morte violenta per una
fotografia dalla bellezza immortale.
Questa immagine attraente e insieme
aberrante venne pubblicata
all’interno della rivista “Life” con il
titolo The Most Beautiful Suicide.
 
La didascalia narrava:
«At the bottom of
the Empire State Building the body
of Evelyn McHale reposes calmly in
grotesque bier, her falling body punched
into the top of a car».
Lo scatto fu poi rielaborato da Andy Warhol
nel 1962 con il nome: Suicide (Fallen
Body), in un’indagine sul rapporto tra
bellezza, morte e Pop Art.”
 
Luciano Lapadula
 
© COPYRIGHT:
Divieto di copia e riproduzione.
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The Most Beautiful Suicide

On the piece of paper Evelyn left before the tragic leap, she wrote:

I don’t want anyone in or out of my family to see any part of me. Could you destroy my body by cremation? I beg of you and my family – don’t have any service for me or remembrance for me. My fiancé asked me to marry him in June. I don’t think I would make a good wife for anybody. He is much better off without me. Tell my father, I have too many of my mother’s tendencies

She was only 23 years old.

Can a suicide keep beauty and transform into a work of art?

I think yes. The praise of the death of a beautiful girl is terrible and seductive. From Andy Warhol to David Bowie – in his song “Jump They Say” – the traumatic existence of a life broken in its blossom, makes the protagonist an eternal heroine.

Taken from my book “Il Macabro e il Grottesco nella Moda e nel Costume“, the description of the fact.

“Edgar Allan Poe, within its essay Philosophy of composition,
wrote that

«the death of a beautiful
woman is undoubtedly the most poetic
topic of the world »

and about this
the image realized by chance
by the former assistant photographer

Robert Wiles on the first of May
1947 is rich of emotion.

He succeeded in capturing the twenty-three years-old
Evelyn McHale lying with
elegant but unnatural composure
on the top of a limousine after a
long flight from the eighty-sixth floor
of the Empire State Building.


The girl seems to be sweetly
collapsed among the dark plates of
the car, the glasses smashed, the lacquered steel
bent on itself because of the violence
of the impact and the girl there, supine as
a sleeping beauty in a breathless
sleep.

From the ice-cold metal of the
car there comes, violently, the red colour
of the sophisticated suit. 
White is the

blouse and white are the long gloves
that still adorn her hands. Her blonde
hair frame a beautiful face
with a perfect makeup. 
The tights are
taken down. abbassate. Her arms are bent and
the left hand seems to be gentle near
the face, half-closed in a gesture that
seems to be sophisticated and charming.

The suicide,
in this case, loses the atrociousness of
its meaning thanks to the beauty of
an image that seems to come from 
a fashion magazine.

The paradoxical
absence of blood and disfigurement,
combined with the composure of the subject,
gave birth to the title with
which the picture was called:
“The Most Beautiful Suicide”.

The image gives
origin to a strong contradiction
in the observer’s mind, seduced
by the aesthetic of death that seems to be
cruelly sweet.

We would like to ask
Evelyn the reason of that gesture,
the frustration for the incomprehensibility
of her choice generates a morbid
attention to the details that
tell her life: the white scarf that
vertically fell from the window
reaching the body,
the beauty case left apart together with the folded coat, her suicide note.

A violent death for a
picture having an immortal beauty.

This charming and simultaneously
aberrant image was published
in the magazine “Life” with the
title The Most Beautiful Suicide.

The caption told:

«At the bottom of
the Empire State Building the body
of Evelyn McHale reposes calmly in
grotesque bier, her falling body punched
into the top of a car».

The shot has been then redesigned by Andy Warhol
in 1962 with the name: Suicide (Fallen
Body), in a study about the relationship between 
beauty, death and Pop Art.”

Luciano Lapadula

Special Thanks for supporting in translation to

Serena Bartolo trad.serenabartolo@gmail.com

© COPYRIGHT

Evelyn Francis McHale

BIRTH

 

Berkeley, Alameda County, California, USA
DEATH1 May 1947 (aged 23)

 

Manhattan, New York County (Manhattan), New York, USA
BURIAL

Middle VillageQueens CountyNew YorkUSA

evelyn francis mchale 1923

evelyn mchale photo portrait fotografia blog
Lots of Love. Evelyn McHale

evelyn mchale luciano lapadula blog cultura arte art history andy warhol il macabro e il grottesco moda costume libro book creepy

evelyn-incorrectly-labeled-as-20-years-old-ny-times-may-2-1947

evelyn mchale suicide blog luciano lapadula

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The Most Beautiful Suicide

 

 

 

 

 

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Stripes & Disorders from fashion in 1914 – 1915

Quello della striscia come motivo ornamentale o pattern per indumenti merita una riflessione approfondita. Mi limito qui, in sintesi, a farvi riflettere sul ruolo che questa geometria assume nel campo della semiologia e quindi della storia del costume. La riga, la striatura, la striscia, riveste il corpo interrompendo in modo violento un “tutto” sottoesposto generando così in chi guarda l’abito – e allora chi lo indossa – un senso di confusione, misto a eccitazione e persino ricusazione. Come il simbolo di un divieto, quello di un’allerta, o come una sbarra che impedisce un passaggio, la striscia nel suo consueto bicolore, cattura l’attenzione spezzando la regola dell’uniforme: irriverente e ribelle diviene alla moda intorno al 1914 – 1915, e non a caso. La Belle Époque con la sua sfrenatezza cancella il ruolo della donna “angelo del focolare” in virtù di una nuova figura emancipata, pronta a riprendere il proprio ruolo sociale. I venti di guerra poi, soffiano tra le strade delle città, profumando l’aria di polvere da sparo. La riga così spunta violenta dalle tele di Egon Schiele e dagli abiti di Paul Poiret, comparendo sui vestiti delle signore alla moda, simbolo del tempo nuovo e della pericolosità di quello futuro.

That of the stripe as an ornamental motif or garment pattern deserves a thorough reflection. In short, I limit myself here to reflect on the role that this geometry assumes in the field of semiology and therefore of the history of customs. The line, the streak, the strip, covers the body violently interrupting a “whole” underexposed thus generating in the viewer the dress – and then the wearer – a sense of confusion, mixed with excitement and even rejection. As the symbol of a ban, that of an alert, or like a bar that prevents a passage, the strip in its usual two-color, catches the attention breaking the rule of the uniform: irreverent and rebel becomes fashionable around 1914 – 1915, and not by chance. The Belle Époque with its wilderness cancels the role of the woman “angel of the hearth” by virtue of a new emancipated figure, ready to resume its social role. The winds of war then, blow through the streets of the city, smelling the air of gunpowder. The line so violent check on the clothes of fashionable ladies, symbol of the new time and the danger of the future.

Portrait of Edith Schiele in a Striped Dress - Egon Schiele, 1915
Egon Schiele Portrait of Edith Schiele in a Striped Dress – 1915

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Egon Schiele and wife Edith (muse) with Striped Dress Sitting, ca 1915. – artwork by Schiele 1915 – Emilie Louise Flöge – 1914 – wearing one of Gustav Klimt’s dress shirts that he made just for her

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Matisse – Striped Jacket, 1914

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Viv in Blue Stripe, 1914 – Robert Henri

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French Illustration by Georges Barbierfor Costumes Parisiens – 1914

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The Delineator – July 1914

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Fashion Plate from The Delineator – July 1914

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The Modern Priscilla, October 1915

Les Modes (Paris) 1914 Costume tailleur par Redfern
Les Modes, Paris – 1914 Costume tailleur by Redfern

Les Modes (Paris) 1914 Robe d'apres-midi par Zimmermann
Les Modes, Paris – 1914 Robe d’apres-midi byZ immermann

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1914 c. fashion for a day at the races

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Olga Skott Vänersborg – 1914, by K & A Vikner – Vänersborg Museum

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Theda Bara in a scene from the film ‘A Fool There Was’ 1915

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Theda Bara in a scene from the film ‘A Fool There Was’ 1915

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5 drawings from Andrew Loomis that look as 90s supermodels

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La riflessione sulla bellezza porta a percorrere strade impervie, in cui è facile smarrirsi nella ricerca della perfezione che lasci riconoscere il bello in senso universale e oggettivo. Da qui parte il fremito che mi ha attraversato quando ho visto i disegni di Andrew Loomis: in alcune sue opere degli anni ’40 infatti, pare l’artista abbia ritratto alcune supermodelle anni ’90 anticipandone l’immagine di 50 anni circa. Vediamo tre di questi miei confronti.

The reflection on beauty leads to travel through impervious roads, in which it is easy to lose oneself in the search for perfection that allows us to recognize beauty in a universal and objective sense. From here starts the thrill that crossed me when I saw the drawings of Andrew Loomis: in some of his artworks from 40s it seems the artist has portrayed some supermodels of the 90s anticipating the image of that kind of beauty about 50 years. We see five of these comparisons of mine.

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On the right Linda Evangelista for Christian Dior 1992 1993

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On the right Shalom Harlow in 1995

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On the right Carla Bruni for Yves Saint Laurent ss 1996

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Still Yves Saint Laurent 1996

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On the right supermodel Eva Herzigova 1993 ca

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Morphine from Belle Époque

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Mitizzazione e consumo della droga non sono fenomeni moderni, ma provengono da rituali che affondano la propria nascita molto lontano nel tempo. L’arte, nelle sue forme più disparate, ha tracciato dei precisi quadri che descrivono l’utilizzo delle sostanze stupefacenti nell’alternarsi dei periodi storici. E’ affascinante quanto accaduto sul finire dell’Ottocento, quando all’estetica della donna immersa tra corsetti e fiori delicati si alternò quella di una fatale mantide, maledetta e pericolosa. Questa nuova dimensione femminile, emancipata e seducente, destabilizzò i ruoli sociali proponendo un’immagine perversa, sfrontata, impregnata questa volta di profumi oppiacei. Analizzo di seguito una serie di immagini che riguardano la Morfina, una tra le droghe più consumate da queste eroine della perdizione durante la Belle Époque.

Mythologizing and consumption of drugs are not modern phenomena, but come from rituals that sink their birth far in time. The art, in its most disparate forms, has drawn precise pictures that describe the use of drugs in the alternation of historical periods. It is fascinating what happened at the end of the nineteenth century, when the aesthetics of the woman immersed in corsets and delicate flowers alternated with that of a fatal, damned and dangerous mantis. This new feminine dimension, emancipated and seductive, destabilized social roles by proposing a perverse, shameless image, impregnated this time with opiate perfumes. I analyze below a series of images concerning Morphine, one of the most consumed drugs by these heroines of perdition during the Belle Époque.

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Morphine Tools Kit from Victorian Era. Image Courtesy Art.co

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Morphine tools: the syringe

morphine history of drug droga belle eopque blog fashion moda blogger storia tools ad vintage illustration art Georges Moreau dit Moreau de Tours Bois le Roi 1901 ou Les Morphinées Huil
Georges Moreau, La Morphine ou Les Morphinées – Collection particulière, Paris
Expositions : Salon de 1886, Paris, n° 1703 (“La Morphine”)

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Morphine Addicts, 1887 Albert Besnard etching Rosenwald Collection

morphine history of drug droga belle eopque 1800 victorian 1890 1900 blog fashion moda blogger storia tools ad vintage illustration Eugène Grasset La vitrioleuse (1894)
Eugène Grasset La vitrioleuse, 1894

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Santiago Rusinol “Before the Morphine”, 1894

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Santiago Rusinol-“Morphine”, 1894

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Eugène-Samuel Grasset — ‘La Morphine’ 1897

1899 Quack Medicine Sufferers From Morphine Or any Drug Habit Vintage Original Print Ad
1899 Quack Medicine Sufferers From Morphine Or any Drug Habit Vintage Original Print Ad

Vittorio Matteo Corcos, La morfinomane – “The addict”, 1899. Famelica e perduta la donna dalla pelle diafana e dai capelli rossi troneggia al posto dell’uomo, avvolta in un fosco abito di veli neri. Ci fissa minacciosa, ed esibisce il suo potere calpestando il  suo trofeo.

The woman with the diaphanous skin and the red hair is dominated and lost in the place of the man, wrapped in a dark dress of black veils. The woman stares at us menacingly, and exhibits her power trampling on her trophy.

morfinomane
Vittorio Matteo Corcos, La morfinomane – “The addict”, 1899

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Year 1900: Ad for Cube Morphine, published in American Druggist and Pharmaceutical Record, America’s Leading Drugs Journal

Pablo Picasso, Morphinomans. 1900
Pablo Picasso, Morphinomans. 1900

Salon, 1905 Morphine. by A. Matignon
Salon de 1905 – Morphine. By A. Matignon

Victorien du Saussais, La morphine. Vices et passions des morphinomanes (1906)
Victorien du Saussais, La morphine. Vices et passions des morphinomanes, 1906

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Morphinomane 1910 ca.

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Bella fino a morire: Maria Montez | When Beauty Kills

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Aladino, dal film “Arabian Nights”:

se devi lasciarci, non andare fin quando non sarai tornato

Fu attraversata da un fremito quando ascoltò la battuta, Maria Montez. Il film è “Arabian Nights” e siamo nel 1942. La bellissima attrice dominicana era all’apice del successo. I suoi occhi di brace consumavano i sogni degli uomini e le sue fotografie riempivano i loro armadietti celebrandola come una tra le prime Pin-Up hollywoodiane. Nata a Santa Cruz de Barahona nel 1912 come María Antonia Africa Gracia Vidal di Sacro Silas scelse di farsi chiamare Montez, un nome breve ma energico come la sua personalità.

Il matrimonio naufragato e il riscontro nel lavoro di modella  la spinsero ad osare, a trasferirsi ad Hollywood per sfondare nel cinema. Era disposta a tutto per raggiungere la gloria, così arrivarono piccole comparse prima, ruoli da protagonista poi. La sensuale latina divenne regina del filone cinematografico escapista, che permetteva agli spettatori una breve illusoria fuga dalla triste realtà segnata dalla guerra. Con la fine del conflitto, però, la magia si interruppe, la moda della bellezza esotica tramontò e quelle donne fatali cedettero il proprio ruolo alle attrici platinate dai sorrisi e dalle curve rassicuranti.

Maria era ancora giovane e bellissima, celebre per il suo carattere impetuoso, per il suo apparire vistoso alle feste, per la sua sfrenata ricerca di consensi. Tentò così di rimettersi in gioco in Europa, recitando in Francia e in Italia, ma quel nuovo cinema introspettivo, era distante dal suo essere carnale.

Aveva 39 anni Maria quando inaspettatamente Hollywood si ricordò di lei e la scelse per una parte. Lei, che per contratto doveva essere sempre avvenente, non ebbe il tempo di festeggiare.

Ripetendo il suo rituale di bellezza, riempì di acqua fumante la lussuosa vasca da bagno in marmo bianco, un bicchiere di cognac, le candele accese. L’America voleva la Maria di venti anni prima, doveva essere bellissima, aprì la rotella dell’acqua calda ancora un po’ di più, il vapore si condensò sui muri della stanza, sulla sua fotografia che parve scomparire man mano che il corpo della diva si immergeva per l’ultima volta nell’acqua bollente, oltre 60 gradi. Stop. Buona l’ultima.

Luciano Lapadula

 

 

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From the movie “Arabian Nights”, year 1942. Aladdin:

If you have to leave, don’t go until you come back

Maria Montez was left speechless when she listened to these words. The film is “Arabian Nights” and we are in 1942. The beautiful Dominican actress was at the height of success. Her eyes of embers consumed the dreams of men and her photographs filled their lockers celebrating her as one of the first Hollywood Pin-Ups. Born in Santa Cruz de Barahona in 1912 as María Antonia Africa Gracia Vidal of Sacro Silas chose to be called Montez, a short but energetic name like her personality. The marriage was shipwrecked and the response in the work of the model pushed her to dare, moving to Hollywood. She was willing to do anything to achieve glory, so little start played minor parts in film, then starring roles. The sensual Latina girl became the queen of the escapism movie trend, that allowed the spectators a brief illusory escape from the sad reality marked by the II world war. With the end of the conflict, however, the magic stopped, the fashion of exotic beauty went down and those fatal women gave up their role to the platinized actresses with reassuring smiles and curves. Maria was still young and beautiful, famous for her impetuous character, for her showy appearance at parties, for her unbridled search for consensus. She tried a new career in Europe, playing in France and in Italy, but that new introspective cinema was far from her being Latin, carnal. She was 39 years old when Hollywood unexpectedly chose her for a part in a movie. She, who by contract must always be attractive, did not have time to celebrate. Repeating her ritual of beauty, she filled the luxurious white marble bathtub with steaming water, a glass of cognac, and lit candles. America wanted the Maria twenty years ago, shet had to be beautiful, she opened the hot water wheel a little more, the steam condensed on the walls of the room, on her photograph that seemed to disappear as the body of the diva immersed itself for the last time in boiling water, over 60 degrees. Stop. Good the last one.

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Maria Montez as a Pin-UP

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Il mio libro allo Sporting Club | Fashion Show from my book

È stata splendida la serata trascorsa allo Sporting Club di Trani il 4 febbraio scorso. L’evento ha visto la presentazione del mio libro “Il Macabro  il Grottesco nella Moda  nel Costume“, attraverso uno scambio di domande e risposte tra me l’organizzatrice del reading la dottoressa Maria Grazia Filisio. Ho fatto sfilare la mia amica, modella e atleta Valentina Abattantuono che ha esibito quattro rari abiti d’epoca provenienti dal mio archivio “Lerario Lapadula Fashion Archives“. Un quinto abito, di epoca vittoriana, era esposto sul palco al mio fianco, nell’elegante salone. Il prossimo appuntamento è previsto per la sera del 14 febbraio, San Valentino, presso la storica “Villa Romanazzi Carducci”, il tema è dedicato all’amore e alla moda, naturalmente.

 

What a great night at the Sporting Club in Trani on February 4th . The event saw the presentation of my book “The Macabre the Grotesque in Fashion and Costume”, through an exchange of questions and answers between me the organizer of the reading Dr. Maria Grazia Filisio. I had my friend, model athlete Valentina Abattantuono, who modeled four rare period dresses from my archive “Lerario Lapadula Fashion Archives“. A fifth dress, from the Victorian era, was displayed on the stage at my side, in the elegant salon. The next appointment is scheduled for the evening of February 14, Valentine’s Day, at the historic “Villa Romanazzi Carducci”, the theme is dedicated to love and fashion, of course.

 

luciano lapadula fashion anni 20 20s
Valntina in a 20s chiffon dress, modeling an organza silk cloche, both from my Fashion Archives

il macabro libro lapadula
Valentina looks as an antique mannequin

luciano lapadula runway fashion 40s
Valentina modeling an early 40s gown, polka dot pattern, with a 40s mink fur and a velvet turban. All from myFashion Archives

valentina abattantuono luciano lapadula moda 60s sfilata fashion history
Shocking Pink Silk & Golden Lurex from 60s. Holtz. Fashion Archives Lerario Lapadula

Valentina indossa Moschino Safety Pin Dress
Valentina modling “Moschino Safety Pin Dress” 
year 1984 from my archives Fashion Archives

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Madeleine: la Bovary dimenticata – Madeleine: the lost Bovary

Erano trascorsi pochi anni dalla pubblicazione di “Madame Bovary”, quando Henri Bourget, nel 1889, scrisse “Le Disciple”. La nuova tragica eroina del romanzo evocava un fatto di sangue e amore avvenuto realmente qualche anno prima nelle terre dell’Africa francese.  Madeleine era tanto bella quanto sola, le sue giornate trascorrevano nel silenzio più greve di chi a trent’anni era condannato dalla vita a un’asfissiante solitudine. Suo  marito, Monsieur G., era sempre lontano per lavoro, e la sontuosa villa, il giardino, i bei vestiti, i regali, non rendevano felice la giovane.

Un bagliore improvviso illuminò la sua spenta realtà quando scoprì di essere incinta. Tutto l’amore bramato prima, traboccò tra le braccia della piccola creatura, ma il destino, feroce, le strappò quel suo unico compagno: una febbre malarica uccise il bambino lasciando cadere Madeleine in una inconsolabile disperazione. Le giornate tornarono lunghe, buie, lontano dalle feste e dai divertimenti la bella ragazza accettò di vivere in silenzio il proprio castigo.

Trascorsero così alcuni mesi, fino a quando un giorno il destino tornò a bussare alla sua porta: una vicina le chiese il favore di ospitare le sue due figlie durante l’assenza di lei, per un mese. Purtroppo però, le due piccole insieme alle loro risa innocenti introdussero nell’esistenza della sfortunata ragazza, anche il fratello maggiore: Henry. Bellezza mediterranea, baffetti neri e sguardo di fuoco, il ventiquattrenne  proveniva dalla Parigi bohemienne; romantico e struggente corteggiò senza sosta Madeleine, che cedette alle lusinghe scivolando nel vortice della più sfrenata e pericolosa passione. Gli incontri avvenivano nella casa di lei, tutte le volte che il marito era assente. Inutile per i due resistere a quella morbosa reciproca attrazione, man mano che il tempo passava la relazione pericolosa si accendeva, fin quando i due decisero di fuggire per vivere finalmente uniti.

Cercarono di accumulare del denaro per la fuga, progettata per un pomeriggio di gennaio, dopo che il giovane studente avrebbe accompagnato il marito di Madeleine alla stazione. Occorrevano 10.000 franchi, promessa di amici, banche, strozzini, tutti creditori che però quel fatidico pomeriggio d’inverno ritrattarono l’offerta, segnando il tragico epilogo di questa storia. Madeleine attese per ore l’arrivo del suo amato, fantasticando sulle terre lontane che li attendevano, ma dal sentiero, all’imbrunire Henry apparve affranto ed esibì il portafoglio vuoto, metafora di un futuro negato. Rientrarono a casa, disperati. L’assenzio non alleviò il dolore per il sogno infranto, gli amanti non sopportavano più di vivere separati.

Esausta, Madeleine implorò al giovane di tener fede a un loro vecchio giuramento: insieme per sempre, contro ogni avversità, sarebbero partiti per un viaggio più lungo. “Spara! Spara! Spara alla tempia!” Urlava Madeleine con gli occhi infuocati. Il giovane piangeva, si rifiutava di uccidere la donna che amava, ma: “Spara Codardo! Lo hai giurato sulla testa di tua madre! Spara!”. Sparò. Lei cadde sul letto, si muoveva ancora e pronunciava il nome di lui quando un secondo colpo finì i suoi tormenti. E allora il bel tenebroso rivolse l’arma contro di sé e lasciò partire il colpo sul volto. Cadde sul letto, era ancora vivo. Dei passanti udirono gli spari, i lamenti, forzarono il cancello e sfondarono la porta: i due erano vicini, lei nuda, i vestiti ordinati e ripiegati sulla sedia. Henry quasi esanime, reso irriconoscibile in volto, l’aria era profumata di polvere da sparo e le coperte gelide di sangue ancora bollente.

Dopo solo un mese ci fu il processo, il signor G. cercò in ogni modo di tener salva la propria dignità accusando il giovane di violenza e omicidio, e nonostante le lettere d’amore e le testimonianze di molti, Henry venne mandato ai lavori forzati, commutati poi dal presidente della Repubblica di Francia, Jules Grévy, in sette anni di prigione. Si persero poi le sue tracce, nulla si conosce sul resto della sua esistenza, e nulla è rimasto della storia di quest’amore maledetto.

Oggi per caso ho aperto un vecchio, impolverato, sbiadito documento e ho fatto rivivere Madeleine, che è sempre con Henry.

 

Luciano Lapadula

A few years had passed since the publication of “Madame Bovary”, when Henri Bourget, in 1889, wrote “Le Disciple”. The new tragic heroine of the novel evoked a fact of blood and love that actually took place a few years earlier in the lands of French Africa. Madeleine was as beautiful as she was alone, her days spent in the heaviest silence of those who at thirty woman were condemned by life to an asphyxiating solitude. Her husband, Monsieur G., was always away for work, and the sumptuous house, the garden, the beautiful clothes, the presents did not make the young woman happy. A sudden glow brightened her dark reality when she discovered she was pregnant. All the love coveted before, overflowed into the arms of the little creature, but fate, fierce, tore that one of her only companion: a malarial fever killed the child dropping Madeleine in an inconsolable despair. The days came back long, dark, away from parties and entertainments, the beautiful girl agreed to live in silence her own punishment. They went on for a few months, until one day the fate came knocking on her door: a neighbor asked her favor to host her two daughters during her absence for a month. Unfortunately, the two small along with their innocent laughs introduced into the existence of the unfortunate girl, even the older brother: Henry. Mediterranean beauty, black mustache and a beautiful look, the twenty-four year old came from bohemian Paris; romantic and poignant he courted non-stop Madeleine, who yielded to the flattery slipping into the vortex of the most unbridled and dangerous passion. The meetings took place in her house, whenever her husband was absent. It was useless for the two to resist that morbid mutual attraction, as time passed, the dangerous relationship lit up, until the two decided to flee to finally live united. They tried to accumulate some money for escape, planned for a January afternoon. , after the young student would have accompanied Madeleine’s husband to the station. It took 10,000 francs, a promise of friends, banks, loan sharks, all creditors, but that fateful winter afternoon retracted the offer, marking the tragic epilogue of this story. Madeleine waited for hours for the arrival of her beloved, fantasizing about the far lands that awaited them, but from the path, at dusk Henry appeared broken and exhibited his empty wallet, a metaphor for a denied future. They came home, desperate. Absinthe did not alleviate the pain of the broken dream, the lovers could not bear to live apart. So Madeleine implored the young man to keep faith with their old oath: together forever, against any adversity, they would leave for a trip more long. “Shoot! Shoot! Shoot me Now!” He shouted Madeleine with fiery eyes. The young man cried, refused to kill the woman he loved, but: “Shoot Coward! You swore it on your mother’s head! Shoot!” He fired. She fell on the bed, moved again and pronounced his name when a second shot ended her torment. And then the beautiful darkness turned the weapon against himself and let the blow start on his face. He fell on the bed, he was still alive. Passersby heard the shots, the moans, forced the gate and broke the door: the two were close, she was naked, the clothes tidied and folded on the chair. Henry almost lifeless, unrecognizable in the face, the air was smelling of gunpowder and the blankets were still bloody with blood still hot. After only a month there was the trial, Mr. G. tried in every way to preserve his dignity accusing the young man of violence and murder, and despite the love letters and testimonies of many, Henry was sent to forced labor, then commuted by the President of the Republic of France, Jules Grévy, in seven years in prison. Then his traces were lost, nothing is known about the rest of his life, and nothing is left of the story of this cursed love.Today I have opened an old, dusty, faded document and I have let revived Madeleine, who is always with Henry.

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Le Disciple – Collection  Nelson – Barribal William H.

 

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Aesthetics of Nazi men| Bellezza Maschile nel Terzo Reich

L’oscura voragine entro cui sprofondò l’ideologia nazista fu contraddistinta da una singolare antinomia che vide il trionfo di un’ossessiva ricerca della perfezione estetica alternarsi a una morale scellerata. All’animo turpe di molti soldati del Terzo Reich corrispondeva un’apparente contraddittoria bellezza fisica, quasi come fosse necessaria a purificare la crudeltà dei loro pensieri. Attraverso questa serie di immagini la mia ricerca esibisce lo splendore del male e il travestimento del ripugnante, che generano una euritmia spaventosa.

The obscure chasm in which the Nazi ideology collapsed was marked by a singular antinomy that saw the triumph of an obsessive pursuit of aesthetic perfection alternating with a nefarious morality. To the turbulent mind of many soldiers of the Third Reich corresponded an apparent contradictory physical beauty, almost as if it were necessary to purify the cruelty of their thoughts. Through this series of images my research exhibits the splendor of evil and the disguise of the repugnant, which generates a frightening eurythmy.

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© SS young pretty soldier. Beautiful innocent face, in contrast with the skull on the hat
© Hans Joachim MarseilleHansJoachim Walter Rudolf Siegfried Marseille was a German fighter pilot during World War II. A flying ace, he is noted for his aerial battles during the North African Campaign. Marseille claimed all but seven of his 158 victories against the British Desert Air Force over North Africa
© Early in his career, he was transferred from JG-52 by his commander, the famous Johannes “Macky” Steinhoff who said, “Marseille was remarkably handsome”
Hans-Joachim Marseille
© Hans-Joachim Marseille in North Africa
Hans Joachim Marseille enchants his mother playing the piano
BANG ! Hans Joachim Marseille
Ewald, Heinz ‘Esau’
Heinz Ewald received his pilot education with the Fliegerausbildungsregiment 23 in Kaufbeuren, the Flugzeugführerschule and the Jagdschule. 
Joachim Peiper, Ruthless Waffen SS Leader
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Joachim Peiper
nazi soldiers handsome gay beautiful men boy
Group of nazi soldiers
Young Waffen-SS soldie
Young Waffen-SS soldier
© Poul, Soren and Erik: The Kam brothers.
They volunteered and fought in the 5th SS division, Wiking
Nazist Søren Kam, dansk statsborger. Udateret arkivbillede fra 1940-45.
Ludwig Kepplinger men beautiful nazi blog blogger moda luciano lapadula macabro grottesco nazismo estetica

Ludwig Kepplinger © (31 December 1911 — 26 August 1944) was a Sturmbannführer (Major),in the Waffen-SS during World War II who was awarded the Knight’s Cross of the Iron Cross
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Captured German soldiers by Canadian soldiers 1943 c.
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Erich “Schmidtchen” Schmidt
Værnepligt
During the battle – 1943
© Sweet and Beautiful junior army officer
© Reminds me Samuel, the iconic Jean Paul Gaultier model. Kriegsmarine/German Sailor
Samuel Riva for Jean Paul Gaultier
© Helmut Oberlander (born 15 February 1924) is a former Canadian citizen who was a member of the Einsatzgruppen death squads of Nazi Germany in the occupied Soviet Union during World War II. Oberlander is on the Simon Wiesenthal Center’s list of most wanted Nazi war criminals
© Gerhard “Gerd” Barkhorn (20 March 1919 – 8 January 1983) was the second most successful fighter ace of all time after fellow Luftwaffe pilot Erich Hartmann, the two people to ever exceed 300 confirmed victories
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© SS Untersturmführer Havvo Lübbe 1942

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