È scomparso uno tra i più celebri costumisti italiani famoso in tutto il mondo. Il talentuoso Piero Tosi, che ha brillato nel sodalizio con il regista Luchino Visconti, lavorando anche nella prosa (La locandiera), nella lirica (La sonnambula, Macbeth) e nel cinema (Senso, Rocco e i suoi fratelli, Le notti bianche, Il gattopardo, Morte a Venezia film del 1971, di cui allego alcune drammatiche e struggenti immagini.
One of the most famous Italian costume designers famous all over the world has passed away. The talented Piero Tosi, who shone in the partnership with the filmaker Luchino Visconti, also working in the prose (La locandiera), in the lyric (La sonnambula, Macbeth) and in the cinema (Senso, Rocco e i suoi fratelli, Le notti bianche, Il gattopardo , Death in Venice film of 1971, of which I am attaching some dramatic and poignant images.
È stato presentato in Farnesina – Roma – l’11 giugno 2019 il lavoro prodotto per conto del Ministero degli Affari Esteri che mi ha visto collaborare nella ricerca e selezione dei costumi in qualità di power dresses e stylist. Il video, realizzato da Imaginapulia, (foto backstage attore Livio Berardi) descrive con pathos i percorsi esistenziali di quanti tra fine ‘800 e ‘900 hanno abbandonato l’Italia per trasferirsi all’estero.
Riaffiorano così dagli autentici diari di queste persone – custoditi nella Fondazione Archivio Diaristico Nazionale di Pieve Santo Stefano (AR). – racconti e storie di vita che ci immergono in paure, aspettative appagate o disattese, fatica, senso di inadeguatezza e disagio, disperazione, voglia di tornare.
Nel video, oltre ai costumi, anche oggetti provenienti dal passato che ho appositamente selezionato dal mio archivio, tra questi scarpine anni ’30 per bimba in vernice nera, occhialini inizi ‘900, foulard e occhiali da sole per donna dagli anni ’50. Un pettine da viaggio, oggetti che rievocano in modo segnico quanto contenuto nei racconti di chi è partito all’estero nella speranza di una vita migliore.
The work produced on behalf of the Ministry of Foreign Affairs was presented in the Farnesina – Rome – on 11 June 2019, which saw me collaborating in the research and selection of costumes as power dresses and stylists. The video, made by Imaginapulia (backstage photo actor Livio Berardi) describes with pathos the existential paths of those between the end of the 1800s and the 1900s who left Italy to move abroad. Thus resurface from the authentic diaries of these people – kept in the National Archive Diary Foundation of Pieve Santo Stefano (AR) – describe stories and life stories that plunge us into fears, fulfilled or unfulfilled expectations, fatigue, a sense of inadequacy and unease, desperation, desire to come back.In the video, in addition to the costumes, there are also items from the past that I have specially selected from my archive, including little shoes from the 30s for girls in black patent leather, glasses from the early 1900s, scarves and sunglasses for women from the 50s. A travel comb, objects that symbolically recall what is contained in the stories of those who went abroad in the hope of a better life.
Quello della striscia come motivo ornamentale o pattern per indumenti merita una riflessione approfondita. Mi limito qui, in sintesi, a farvi riflettere sul ruolo che questa geometria assume nel campo della semiologia e quindi della storia del costume. La riga, la striatura, la striscia, riveste il corpo interrompendo in modo violento un “tutto” sottoesposto generando così in chi guarda l’abito – e allora chi lo indossa – un senso di confusione, misto a eccitazione e persino ricusazione. Come il simbolo di un divieto, quello di un’allerta, o come una sbarra che impedisce un passaggio, la striscia nel suo consueto bicolore, cattura l’attenzione spezzando la regola dell’uniforme: irriverente e ribelle diviene alla moda intorno al 1914 – 1915, e non a caso. La Belle Époque con la sua sfrenatezza cancella il ruolo della donna “angelo del focolare” in virtù di una nuova figura emancipata, pronta a riprendere il proprio ruolo sociale. I venti di guerra poi, soffiano tra le strade delle città, profumando l’aria di polvere da sparo. La riga così spunta violenta dalle tele di Egon Schiele e dagli abiti di Paul Poiret, comparendo sui vestiti delle signore alla moda, simbolo del tempo nuovo e della pericolosità di quello futuro.
That of the stripe as an ornamental motif or garment pattern deserves a thorough reflection. In short, I limit myself here to reflect on the role that this geometry assumes in the field of semiology and therefore of the history of customs. The line, the streak, the strip, covers the body violently interrupting a “whole” underexposed thus generating in the viewer the dress – and then the wearer – a sense of confusion, mixed with excitement and even rejection. As the symbol of a ban, that of an alert, or like a bar that prevents a passage, the strip in its usual two-color, catches the attention breaking the rule of the uniform: irreverent and rebel becomes fashionable around 1914 – 1915, and not by chance. The Belle Époque with its wilderness cancels the role of the woman “angel of the hearth” by virtue of a new emancipated figure, ready to resume its social role. The winds of war then, blow through the streets of the city, smelling the air of gunpowder. The line so violent check on the clothes of fashionable ladies, symbol of the new time and the danger of the future.
Egon Schiele Portrait of Edith Schiele in a Striped Dress – 1915
Egon Schiele and wife Edith (muse) with Striped Dress Sitting, ca 1915. – artwork by Schiele 1915 – Emilie Louise Flöge – 1914 – wearing one of Gustav Klimt’s dress shirts that he made just for her
Matisse – Striped Jacket, 1914
Viv in Blue Stripe, 1914 – Robert Henri
French Illustration by Georges Barbierfor Costumes Parisiens – 1914
The Delineator – July 1914
Fashion Plate from The Delineator – July 1914
The Modern Priscilla, October 1915
Les Modes, Paris – 1914 Costume tailleur by Redfern
Les Modes, Paris – 1914 Robe d’apres-midi byZ immermann
1914 c. fashion for a day at the races
Olga Skott Vänersborg – 1914, by K & A Vikner – Vänersborg Museum
Theda Bara in a scene from the film ‘A Fool There Was’ 1915
Theda Bara in a scene from the film ‘A Fool There Was’ 1915
Mitizzazione e consumo della droga non sono fenomeni moderni, ma provengono da rituali che affondano la propria nascita molto lontano nel tempo. L’arte, nelle sue forme più disparate, ha tracciato dei precisi quadri che descrivono l’utilizzo delle sostanze stupefacenti nell’alternarsi dei periodi storici. E’ affascinante quanto accaduto sul finire dell’Ottocento, quando all’estetica della donna immersa tra corsetti e fiori delicati si alternò quella di una fatale mantide, maledetta e pericolosa. Questa nuova dimensione femminile, emancipata e seducente, destabilizzò i ruoli sociali proponendo un’immagine perversa, sfrontata, impregnata questa volta di profumi oppiacei. Analizzo di seguito una serie di immagini che riguardano la Morfina, una tra le droghe più consumate da queste eroine della perdizione durante la Belle Époque.
Mythologizing and consumption of drugs are not modern phenomena, but come from rituals that sink their birth far in time. The art, in its most disparate forms, has drawn precise pictures that describe the use of drugs in the alternation of historical periods. It is fascinating what happened at the end of the nineteenth century, when the aesthetics of the woman immersed in corsets and delicate flowers alternated with that of a fatal, damned and dangerous mantis. This new feminine dimension, emancipated and seductive, destabilized social roles by proposing a perverse, shameless image, impregnated this time with opiate perfumes. I analyze below a series of images concerning Morphine, one of the most consumed drugs by these heroines of perdition during the Belle Époque.
Morphine Tools Kit from Victorian Era. Image Courtesy Art.co
Morphine tools: the syringe
Georges Moreau, La Morphine ou Les Morphinées – Collection particulière, Paris Expositions : Salon de 1886, Paris, n° 1703 (“La Morphine”)
Morphine Addicts, 1887 Albert Besnard etching Rosenwald Collection
Eugène Grasset La vitrioleuse, 1894
Santiago Rusinol “Before the Morphine”, 1894
Santiago Rusinol-“Morphine”, 1894
Eugène-Samuel Grasset — ‘La Morphine’ 1897
1899 Quack Medicine Sufferers From Morphine Or any Drug Habit Vintage Original Print Ad
Vittorio Matteo Corcos, La morfinomane – “The addict”, 1899. Famelica e perduta la donna dalla pelle diafana e dai capelli rossi troneggia al posto dell’uomo, avvolta in un fosco abito di veli neri. Ci fissa minacciosa, ed esibisce il suo potere calpestando il suo trofeo.
The woman with the diaphanous skin and the red hair is dominated and lost in the place of the man, wrapped in a dark dress of black veils. The woman stares at us menacingly, and exhibits her power trampling on her trophy.
Vittorio Matteo Corcos, La morfinomane – “The addict”, 1899
Year 1900: Ad for Cube Morphine, published in American Druggist and Pharmaceutical Record, America’s Leading Drugs Journal
Pablo Picasso, Morphinomans. 1900
Salon de 1905 – Morphine. By A. Matignon
Victorien du Saussais, La morphine. Vices et passions des morphinomanes, 1906
La pubblicità segue le mode e il gusto sociale del proprio tempo. Così attraverso un rapido sguardo ad alcuni manifesti di antiche réclame si percepisce immediatamente una certa tendenza estetica – tra gli anni della Belle Époque e il successivo “ventennio”- in cui mistero, struggente decadenza, simbologia esoterica e persino elementi orroriferi incontrano marketing e glamour. Il prodotto talvolta risulta paradossale, a tratti kitsch, ma terribilmente seducente. Ho scelto per voi 5 (per ora) incredibili pubblicità in cui io mi sia imbattuto durante le mie ricerche.
Advertising follows the fashions and the social taste of one’s own time. So, through a quick glance at some posters of ancient claims, you immediately perceive a certain aesthetic tendency – between the years of the Belle Époque and the following “roaring 20s”, in which mystery, yearning decadence, esoteric symbology and even horrific elements meet marketing and glamour. The product is sometimes paradoxical, sometimes kitsch, but terribly seductive. I have chosen for you 10 (for now) incredible advertising in which I came across my research.
L’abito da sposa rappresenta per molte donne un indumento magico. È immaginato, disegnato, descritto sin dall’infanzia, e con lo scorrere del tempo il desiderio di indossarlo non si affievolisce ma aumenta. Per un giorno solo permette a chi lo indossa di trasformarsi nella romantica principessa di una favola, o in una seducente primadonna. Ho scelto per voi dieci icone che nello scorso secolo hanno segnato la storia del costume grazie al proprio abito nuziale, ispirando grandi stilisti o sartine che ne hanno rivisitato i modelli.
The wedding dress is a magical garment for many women. It is imagined, drawn, described since childhood, and with the passage of time the desire to wear it does not fade but increases. For one day only allows the wearer to turn into the romantic princess of a fairy tale, or a seductive primadonna. I chose for you ten icons that have marked the history of costume in the last century thanks to their wedding dress, inspiring great stylists or dressmakers who have revisited their models. English translation under each photo. Hope you will like.
L’attrice Lily Elsie nel 1911 indossò un prezioso abito realizzato da Lucile. Era in seta rosa pallido, ricamato con perline e adornato da pelliccia di ermellino.
1911. Lily Elsie strikes a pose while wearing her empire wedding dress, palest pink embroidered with pearls and trimmed with ermine. Dress was created by Lucile
2. Mae Murray sposò il presunto principe David Mdivani nel 1926. Gli abiti si accorciavano e l’attrice alla moda indossò un bellissimo vestito in chiffon bianco latte bordato di pelliccia chiara, lungo sotto il ginocchio. Al capo una cloche, le calzature erano del modello Mary Jane.
1926. Mae Murray wedding dress: amazing silk crepe little dress with white fur trim. Cloche and Mary Janes for a perfect 20s style.
Iconic photo from 1926: Rudolph Valentino with Pola Negri, an amazing Mae Murray and her husband Mdivani prince
3. La principessa Maria José sposa in Italia il principe più bello d’Europa, Umberto II. Era l’8 gennaio del 1930, il principe dandy disegnò l’abito della bella Maria José che venne confezionato dalla sartoria Ventura.
Maria José of Italy with her bridal dress designed by her beautiful husband and tailored by Ventura. 1930.
Queen Maria José of Italy. Bridal dress by Ventura, 1930
Altre nozze reali, nel 1931, furono quelle tra la contessa Marina Golenistcheff-Koutouzoff e il principe Dmitrij Romanov membro della famiglia degli Zar di Russia. Il padre della sposa, che per un periodo lavorò nella casa di moda Chanel a Parigi, avrà per certo avuto un ascendente sulla scelta del bel vestito in satin indossato da Marina che, appunto, fu realizzato da Madame Coco.
Countess Marina Golenistcheff-Koutouzoff in Chanel satin bridal dress, 1931
4. L’attrice Linda Christian, nel 1949, sposò l’attore Tyron Power. L’abito è da sempre ritenuto come uno tra i più belli mai realizzati, fu cucito per lei dalle Sorelle Fontana, a Roma. Grazie a questa creazione l’atelier Fontana ebbe un successo internazionale.
Actress Lynda Christian with Tyron Power in 1949. Iconic dress made by Sorelle Fontana, Rome, 1949
5. L’attrice Grace Kelly, nel 1956, indossò un abito passato alla storia. Realizzato dalla sua costumista Helen Rose segnò per Grace il passaggio dal mondo del cinema a quello della nobiltà, come in favola la bellissima attrice divenne una principessa.
In 1956 Grace Kelly worn her bridal dress made by Helen Rose, becoming a princess.
6. Jackie Kennedy, nel 1968, sposò in seconde nozze l’armatore greco Aristotele Onassis. Il miniabito fu creato dallo stilista italiano Valentino.
7. La modella Marisa Berenson, per le sue nozze con James Randall, sfoggiò un look Gipsy – Chic firmato Valentino. Era il 1976.
8. Era il 1981 e il suo fu il matrimonio più atteso e discusso del tempo, Lady Diana sposò il principe Carlo in un opulento abito bianco con un lungo strascico di 8 metri. L’abito, barocco e prezioso, fu realizzato da Elisabeth e David Emanuel.
Lady Diana bridal dress. 1981, made by Elisabeth e David Emanuel
9. Nozze principesche con un abito ispirato a quello di Lady D per la cantante Mariah Carey. Nel 1993 sposò Tommy Mottola indossando un vestito Vera Wang da $25.000.
1993: Mariah Carey worn a dress inspired by the ones of Lady D
10. Kate Middleton chiese a Sarah Burton di ispirarsi all’abito indossato da Grace Kelly per quello del giorno delle proprie nozze con il principe William. Era il 2011.
In 2011 Kate Middleton worn her bridal dress inspired by the ones of Grace Kelly
Misterioso e schivo E.J. Bellocq nel 1910 iniziò la propria carriera di fotografo in America, dilettandosi nella realizzazione di immagini a fine commerciale. Svolse la propria attività a New Orleans dove, nel quartiere a luci rosse di Storyville realizzò centinaia di fotografie immortalando prostitute colte in pose sensuali, intime, drammatiche. Il quartiere venne distrutto nel 1917, e furono perduti anche moltissimi scatti di Bellocq, che morì in solitudine nel 1949. La gloria, postuma, lo vide trionfare solo a partire dal 1966, quando Lee Friedlander scoprì in un antiquario a New Orleans suoi numerosi inediti scatti, che divennero presto oggetto di importanti mostre e pubblicazioni, tra cui Storyville Portraits (1970) e Red Light District of New Orleans (1996). Guardando queste immagini non è l’erotismo a prevalere, ma un senso di sconfinata solitudine, tanto lontana nel tempo quanto attuale. Viene voglia di chiedere a quelle donne i loro nomi, come siano finite lì. Vorremmo conoscere le loro storie. Vivono in un bordello arredato per illudere ci sia eleganza, risplende più evidente la fatiscenza. Sulle pareti lacere carte damascate. Compare il poster che sembra ritrarre la famosa attrice Lily Elsie, forse icona di una tra le ragazze costrette a una vita assai diversa. Un occhio tumefatto, un seno sfiorito, un ventre gonfio senza maternità, un sorriso che nasconde l’abbandono. Lola, Edy, Sarah, non hanno nulla da perdere, e si concedono, indolenti e inconsapevoli, alla gloria eterna grazie a queste fotografie.
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Mysterious and bashful E.J. Bellocq in 1910 began his career as a photographer in America, delighting in the creation of images for commercial purposes. He carried out his business in New Orleans where, in the red light district of Storyville, he took hundreds of photographs immortalizing prostitutes caught in sensual, intimate, dramatic poses. The neighborhood was destroyed in 1917, and many shots of Bellocq, who died in solitude in 1949, were also lost. Glory, posthumously, saw him triumph only starting in 1966, when Lee Friedlander discovered his numerous unpublished works in an antiquarian in New Orleans shots, which soon became the subject of important exhibitions and publications, including Storyville Portraits (1970) and Red Light District of New Orleans (1996). Looking at these images it is not eroticism that prevails, but a sense of boundless solitude, as far away in time as it is current. I feel like asking those women for their names, how they ended up there. We would like to know their stories. They live in a brothel furnished to deceive there is elegance, the dilapidation shines more clearly. Damask cards on the tattered walls. The poster appears that seems to portray the famous actress Lily Elsie, perhaps an icon of one of the girls forced to live a very different life. A swollen eye, a faded breast, a swollen belly without motherhood, a smile that hides abandonment. Lola, Edy, Sarah, have nothing to lose, and indulge themselves and unwittingly, to eternal glory thanks to these photographs.
A new work day begins, the same as the previous and the following. I still have knickers and a nightgown, there is time to not think about the first client, time to hold Billy and smile with him at the photographer.It is morning in the house, from the window the light illuminates the room. On the walls, portraits of prostitutes, in the center, with her beautiful striped stockings, she is ready to start the shift, she drinks, so as not to weigh too much on it.It’s morning. Flowers for a faded lifeA casual smile for a new day equal to the previous one
Gibson Hairstyle. It is daytime and the short, chubby girl is waiting for her customers
On the tattered wallpaper, the portrait of the actress Lily Elsie hangs. Life has given her a different destinyBathed in light. A smile resigned to the girl at the window behind into the darkness, the promise for the meetingAfternoon A Venus of abandonmentThe girl’s big eyes tell us about her atrocious fate, listen to herStrike a pose. The photos on the wall describe excerpts from an interrupted lifeHeavy upholstery covers sounds and lightsAn angry trait erases identityUnconventional late afternoon. It seems that the girl is drawing a butterfly on the wall, a symbol of short and free lifeThe girl with the erased face waits for customers lying in her négligéeWhat books will they ever be? And how strange that frame without picture. Maybe it’s a mirror.A fast, furious trait erases the faces and identities of a “shameful” lifeFragments that crumble like the girl’s life
Waiting for a client, she wears a black silk mask
She wear the same mask as the previous photo wich hidden her face, she exhibits a tired body, a swollen belly without his childA bed that knows no loveIt’s night, Penny is my whole lifeImmersed in her failuresImmersed in her failures
A tight jumpsuit, a tights that makes a nude look effect. The face is tired.
On the walls Victorian photos of relatives, in the hands of a rose, the gift of a client?The day is over, maybe a last customer will come, so in the meantime let’s get distracted, play cards and drink, one, two, three bottles, not to think about it anymoreThe last client has arrived. He was more drunk than I was. He pushed me to the bed, hit me hard, calling me a whore.
Il bellissimo nobile russo Felix Yusupov reo dell’assassinio dell’enigmatico Rasputin.
Non svelò mai pubblicamente la propria omosessualità né i motivi reali che lo spinsero a uccidere il “consigliere” dello Zar.
Impunito e arricchito, condusse una vita frivola e all’eccesso, dandy aristocratico e vanitoso cercò di dar luce al proprio smodato ego dilettandosi nel campo della moda e del cinema.
Nel 1967 scrisse e codiresse il film “J’ai tué Raspoutine“, regia di Robert Hossein (nel ruolo di sua moglie Irina Romanov la bellissima ma algida Ira von Fürstenberg).
Il poster del film
Da questa pellicola emerge tutta la boria e la fragilità di Felix, che in una sorta di perversa esorcizzazione del male fece rivivere attraverso gli attori istruiti ad hoc i momenti dell’assassinio.
Felix scelse personalmente i componenti del cast, e insegnò loro certi gesti, movenze eleganti e perfino alcuni tic, tipici di lui e di Irina.
Non uno psicodramma liberatorio di chi non riuscì a metabolizzare un trauma, ma l’ennesima rappresentazione narcisistica attraverso la quale immortalare se stesso tramite cloni creati con raffinata abilità.
In tal modo l’ormai vecchio Felix cercò di riconsegnare alla storia l’omicidio del carismatico guaritore siberiano facendolo passare per un gesto eroico e virile, nascondendo fino alla fine la pulsione sentimentale ed erotica che a mio avviso lo spinse a compiere il gesto.
Felix Yusupov
Felix Yusupov con la consorte principessa Irina Alexandrova
Rasputin attorniato dalle sue aristocratiche seguaci poco tempo prima di essere assassinato
